La balada de John y Yoko

“Bueno, adivinen quien escribió eso, la escribí en París en nuestra luna de miel, es una pieza de periodismo, una canción folk, es por eso que la llamé la Balada de…"

El 20 de Marzo de 1969, vestidos de blanco y con zapatos deportivos, John Lennon y Yoko Ono celebraban su boda en el territorio británico de ultramar de Gibraltar, en principio, la idea de ambos había sido casarse en París, pero la burocracia exigía que la pareja hubiese vivido al menos dos semanas en la ciudad luz, así que en un viaje relámpago, en un jet privado arribaron a a la Isla de Gibraltar donde oficiaron una ceremonia privada que tuvo lugar en el consulado británico, y que duró únicamente una hora, para luego regresar a Francia. 

Luego de su estancia en Paris, John y Yoko viajan a Amsterdam, Países Bajos donde pasan su luna de miel en la suite presidencial del Hotel Hilton, allí, la pareja celebra una de sus encamadas por la paz, en contra de la guerra de Vietnam, durante una semana entre marzo 25 y 31, invitan a la prensa y permanecen sentados en su cama, hasta que siete días más tarde viajan a Viena, Austria donde celebran una conferencia de prensa.

El 14 de Abril de 1969, John Lennon llegó a la casa de Londres de Paul McCartney para trabajar en una canción que aún estaba por finalizar.

- Tengo esta canción acerca de nuestra boda y se llama The Ballad of John y Yoko o They're Gonna Crucify Me – 

- Estás bromeando ¿No es así? Alguien realmente va a molestarse sobre esto – Le respondió McCartney 

- Sí, pero vamos a hacerlo, dijo Lennon decidido.

McCartney estaba algo preocupado, debido a la letra de la canción, después de las declaraciones de Lennon en 1966 en las que aseguró que “The Beatles eran más populares que Jesús, y que ahora no sabía que iba primero, si el Rock 'n' roll o el Cristianismo” la carrera de la banda se había visto afectada en varios países, especialmente en el sureste de Asia y en Suramérica, ahora, en la nueva propuesta de Lennon, el coro de The Ballad Of John And Yoko tenía el siguiente verso: "Christ, you know it ain't easy, you know how hard it can be. The way things are going, they're gonna crucify me." Incluir las palabras Jesucristo y crucifixión en la misma canción podría abrir viejas heridas que habían tratado de mantener apaciguadas, la letra y el contexto de esta nueva canción no serían muy bien recibidas, pero por otro lado, John había pasado por cosas terribles durante los últimos meses, así que terminó accediendo a colaborar en la canción de su amigo, después de completarla y arreglarla en la casa de McCartney, el dúo se dirigió inmediatamente a los estudios de Abbey Road dispuestos a hacer la grabación.

Vamos al estudio, solo tú y yo – 

Está bien, yo tocaré el bajo y la batería – 

“John tocaría la guitarra, así que lo hicimos y esperamos para ver si los demás chicos nos odiarían por eso, de eso no estoy seguro, probablemente nunca nos perdonaron, John estaba tan impaciente que simplemente decidimos ir al estudio y grabarla” recuerda Paul McCartney.

¿Dónde estaban George Harrison y Ringo Starr? La razón por la cual, Lennon y Mccartney decidieron grabar la canción juntos era simple, George Harrison se encontraba de vacaciones mientras que Ringo rodaba la película The Magic Christian, impaciente, Lennon no podía esperar a los demás, excluidos Ringo y George se molestarían al enterarse de que no participaron en la canción, de todas formas en otras ocasiones ya habían grabado sin que algún beatle estuviera presente, Dear Prudence y Back in The U.S.S.R fueron hechas sin Ringo y Why Why don't we do it in the road fue hecha solo por Ringo y Paul, a pesar de eso, en las grabaciones del estudio se pueden escuchar conversaciones entre los dos músicos presentes al momento de grabar.

“Un poco más rápido, Ringo” dice Lennon en su guitarra, "OK, George" le responde McCartney sentado frente a la batería. 

A pesar de que dos miembros de la banda se encontraban ausentes, The Ballad of John And Yoko, fue una vez más, producida por George Martin, de igual forma Geoff Emerick, el ingeniero de sonido regresó a trabajar con la banda, Emerick no había vuelto a trabajar con The Beatles desde las sesiones del White Album, George Martin recuerda aquel día: “Disfruté trabajar con John y Yoko en The Ballad Of John And Yoko. Solo eran ellos dos y Paul, cuando piensas acerca de ello, en cierta forma este era el inicio de su propio camino, y de su propia forma de grabar, difícilmente era una canción Beatle, en cierta forma era el fin de una era, mentalmente John ya había dejado el grupo de todas formas y creo que ese fue el principio de todo eso”.

Grabaron once tomas de la pista con el ritmo básico, simultáneamente se agregó la batería, la guitarra acústica y las voces, la toma diez fue la que quedó mejor, fue cuando McCartney agregó el bajo, el piano, los coros y las maracas, mientras que Lennon sobreponía las dos guitaras líder y los sonidos de percusión hechos al golpear la parte trasera de una guitarra acústica.

La canción fue grabada en el estudio 3 de Abbey Road, comenzaron a las 2:30 de la tarde y terminaron a las 9:00 de la noche, luego la cinta fue mezclada para stereo y finalizada lista para salir a las 11:00 de la noche, esta era una delas ventajas de trabajar en EMI, The Beatles eran capaces de trabajar a su propio ritmo, podían reservar los estudios durante semanas, dándose el lujo de experimentar, trabajar sin prisa y grabar en cortos lapsos de tiempo si querían. 

Para Lennon tanto el día de su boda como la canción, representaban un hermoso soñar despierto una fusión de Johnny B Good con Paperback Writer, pero tal como había augurado Paul McCartney, la canción fue censurada por numerosas estaciones del Reino Unido y los Estados Unidos por pronunciar la palabra “Cristo”.

Esta canción es quizá una de las pruebas de la infeliz situación por la que pasaba la banda en aquel momento, John Lennon estaba insatisfecho, durante los últimos años eran las canciones de McCartney las que aparecían en la cara A del sencillo, mientras que sus composiciones aparecían en la cara B, además, las sesiones de Let It Be habían sido realmente tristes, la unidad de The Beatles se estaba perdiendo, pero The Ballad Of John And Yoko significó que Lennon y McCartney trabajaran juntos de nuevo, con aquella vieja complicidad, mostrando un renovado entusiasmo, esta sesión fue un reflejo del positivismo que rodeaba las grabaciones de lo que sería su último álbum: Abbey Road.

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Venas de blues, B.B King

"¿El mejor método para viajar? La música." – B.B King

Poco a poco una corte musical comienza a apoderarse del firmamento, el primero en marcharse fue el rey del rock n roll Elvis Presley en 1977, le seguirían James Brown el rey del funk en 2006, Michael Jackson, el rey del pop en 2009 y a esta larga lista de monarcas, se une hoy el rey del blues, el legendario B.B King.

B. B. nació el 16 de septiembre de 1925, en Mississippi, estado conocido por su larga historia de injusticias sociales, una larga trayectoria de trabajo esclavo en los campos de algodón y además ser la cuna de grandes figuras del blues, Riley B King nació precisamente en una pequeña cabaña de una plantación de algodón en Itta Bena, a pesar de eso, siempre considero su lugar de origen Indianola, tras el divorcio de sus padres, Albert King y Nora Ella Farr, y la difícil situación económica de su madre, quien murió cuando él tenía nueve años, B.B pasó a compartir mucho tiempo junto a su abuela materna Elnora Farr en el pueblo aledaño de Kilmichael.

El pequeño King creció cantando en un coro de góspel en una iglesia baptista, a los doce años compraba su primera guitarra por quince dólares, otros dicen que fue un regalo de su primo y también leyenda del blues, Bukka White, lo único seguro es que desde el principio, King fue poseedor de un talento natural y gran disciplina a la hora de tocar su instrumento, su estilo en la guitarra fue influenciado por dos músicos, T-Bone Walker y Charlie Christian, y su forma de cantar por Joe Turner.

En 1943 con dieciocho años, abandona el pueblo de Kilmichael para trabajar como conductor de tractores, sin dejar de lado sus labores de guitarrista, tocando en iglesias del sector y en la estación de radio WGR y tres años más tarde, King decide seguir los pasos de Bukka White y parte a Memphis, Tennessee, pasó diez meses en aquel lugar, para regresar a Mississippi, donde se preparó mejor para volve a Memphis, allí tocó en el programa de radio KWEM conducido por el también músico Sonny Boy Williamson II, a raíz de ese programa, un sector de los radioescuchas comenzó a interesarse en la música de Riley.

Tras ser contratado en WDIA para que cantase clásicos del jazz, grabara jingles y ejerciera como disc jockey, comenzó a adquirir cierta reputación, a la vez, asistía semanalmente a las audiciones del Teatro Palace en la calle del blues de Memphis, hogar por cierto del rey del Rock N Roll, Elvis Presley a quién conocería en una de aquellas ocasiones. Las audiciones en el Teatro Palace daban al ganador un premio de cinco dólares, a pesar de que nunca ganó, si obtuvo popularidad además de su apodo: Blues Boy, el cual luego abrevió a B.B, tal como todos lo conocemos hoy. 

Pero quizá el evento que cambiaría su vida, sería durante el invierno de 1949, mientras tocaba en un salón de baile en Arkansas, hacía tanto frío que para calentar el salón, fue encendido un barril medio lleno con queroseno, mientras B.B armonizaba el ambiente, dos hombres comenzaron a discutir, de pronto los dos hombres comenzaron a golpear, hasta que el barril de queroseno se volcó, el combustible cayó al suelo y la estancia comenzó a arder, la gente comenzó a evacuar el lugar, al salir, B.B se dio cuenta que había dejado su guitarra dentro del edificio en llamas, armado de valor, ingresó nuevamente, abriéndose paso entre el sofocante humo, rescato su guitarra, una Gibson acústica y salió del lugar. Dos personas murieron en aquel incendio, al día siguiente el músico se enteró que los dos hombres que habían originado el incendio, peleaban por una mujer llamada Lucille, en honor a aquel suceso, King bautizó a su guitarra con aquel nombre.

Con el paso de la década de los años cincuenta, B.B se convirtió en uno de los nombres más importantes del R&B y del Blues, lo curioso es que a pesar de estar enfocado en estos, King estaba rodeado de arreglistas de músicos de jazz para sus grabaciones en directo, derribando en cierta forma las fronteras que existían entre géneros y alejándose de la tradición que seguían otros contemporáneos suyos como Muddy Waters y Howlin Wolf, King era difícil de encasillar, muy a pesar de eso, King labraba su camino para convertirse en el rey del Blues. 

Es durante esta década que cosecha muchos de sus grandes clásicos, 3 O'Clock Blues, You Know I Love You de 1951 y 1952, entre otros como Woke Up This Morning, Ten Long Years, Every Day I Have The Blues y una de sus joyas: Sweet Little Angel, de 1956, son características de esta etapa, con la fama, vienen las giras, y en este campo, B.B King es uno de los músicos que más se destaca, durante toda su vida sumó más de 10.000 conciertos, con lo que logró de paso ganar mucho afecto y simpatía de su público. 

Con la década de los sesenta, sus giras no solo llegaron a los Estados Unidos, sino que también logró proyectarse a Europa, en 1960 llega a la cima con Sweet Sixteenm e1968 lanza su canción Lucille y en 1969, The Thrill is Gone quizás sus canción más conocidas, además en esa década que empieza a interactuar con los nacientes músicos del rock, aparece en la apertura del Tour por América de 1969 de los Rolling Stones y sus encuentros con en el Club Generation de Nueva York con Jimi Hendrix. 

Aquí es donde se puede comprender la grandeza de B.B King, un amante de la música de Frank Sinatra, un contemporáneo de otros grandes de su época como Muddy Waters, John Lee Hooker o Buddy Guy juntos a los que tocó en varias ocasiones, un maestro para otros como The Beatles, los Stones, Stevie Ray Vaughnan, U2 y su gran amigo y aprendiz, Eric Clapton, una persona que creía que la música era la única forma de otorgar conocimiento.

King consideraba que los blues debían trascender, tenían una historia de fondo, que debía ser contada, no gustaba de tocar y cantar al tiempo, prefería mantener un diálogo entre él y Lucille, la cual vibraba, expresando más que palabras, una tristeza propia del blues fusionada con el carisma y la calidad de su voz, a la que su guitarra respondía en cierta forma, "Intento conectar mi voz a mi guitarra al cantar”, afirmó el músico en una entrevista. “Como si los dos se hablaran el uno al otro", agregó.

B.B era diferente, el blues fluía por sus arterias, lo transpiraba, lo respiraba, para él, el blues no era un simple concepto, lo sentía, lo vivía, quizá él no era consciente de eso, porque para él, fue un estilo de vida. 

Ramones

¿Saben? Hubo una época en la que yo quise llevar este blog cronológicamente hablando, banda por banda, artista por artista, el tiempo ha pasado y no he pasado de la década de los 60s, y lo peor es que me faltan aún muchas entregas de artistas anteriores incluso a los mismos pioneros del rock, mi perspectiva en cuanto a ese tema ha cambiado radicalmente, ahora creo que si hoy quiero escribir acerca de bandas como The Cure o Radiohead, no debo esperar a escribir acerca de ellos, si bien es cierto que para hablar de determinado grupo o artista, primero es necesario hablar quizá de quienes lo inspiraron o resultaron una influencia en su formación, tampoco puedo dejar que la vida pase para escribir de algo que me nace escribir en este momento y no en otro.

Así que hoy, daré un salto en el tiempo, atrás quedará la década de los 60s, la guerra de Vietnam, la psicodelia y el flower power, hoy nos encontramos ante una nueva generación, una generación escéptica, que se burló  de la rigidez y de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural.

Un nuevo ritmo se apoderaba de las juventudes, un sonido crudo (sin necesidad de ser aún distorsionado o ruidoso), ritmos acelerados y  acordes simples se gestaban en las mentes de cuatro muchachos de Forest Hills, un barrio de la clase media de Queens, Nueva York, en esta ocasión y en parte, como homenaje al fallecido Tommy Ramone. el último de los Ramones originales que murió hace poco, hablaremos de una d elas bandas pioneras del punk y líder de la primera ola punk de mediados de los 70s: Ramones.

Lo fabuloso de una banda como Ramones es que a pesar de su simplicidad en cuanto a líricas y composición musical, logra despertar energía en tu interior, a pesar de lo sin sentido que puedan ser las letras de sus canciones, y de lo cortas que sean, creo que un concierto de Ramones debió ser, una de las cosas más increibles del mundo musical, imaginen esa energía tanto arriba como abajo del escenario. Lemmy Kilmister, bajista y lider de Motorhead recuerda con cariño como podías asistir a un concierto de Ramones en tan sólo media hora y haber escuchado al menos 19 canciones. 

Jeffrey Ross Hyman, más conocido en el mundo del rock como Joey Ramone, no era más que un muchacho desempleado, que había crecido escuchando The Who y The Stooges y que además de sufrir de una miopía avanzada tenía un trastorno obsesivo compulsivo. Un chico reservado y tímido, que a pesar de su personalidad no podía evitar llamar la atención debido a sus 1,98 cms de estatura, su pelo largo y su extraña apariencia, en pocas palabras, Joey era un bicho raro que pasaba su tiempo coleccionando discos y tocando la bateria, contrario a lo que sus padres deseaban, su madre le instaba a interesarse en el arte y su padre a que continuara en el negocio familiar de conducción de camiones.

Irónicamente era en la galeria de arte de la madre de Joey, donde este y sus amigos se drogaban e inhalaban pegamento, a decir verdad, los amigos de Joey eran igual de extraños que él, era un grupo bastante particular: John Cummings, más conocido como Johnny Ramone había sido un delincuente durante su adolescencia, Douglas Colvin alias Dee Dee Ramone era un muchacho que había pasado casi toda su vida en Alemania y que había huido a Queens buscando alejarse de su padre alcohólico, finalmente Tamás Erdélyi el recientemente fallecido Tommy Ramone era quizá el que más conocimiento tenía acerca de música, debido a que ya había militado en otra banda junto a John llamada Tangerine Puppets, sin embargo Tommy sugirió una nueva alineación, Joey sería el baterista, Johnny el guitarrista lider, Douglas el guitarrista rítmico y cantante, y Tommy quien se limitaría a ser el representante de sus amigos.

Su primera presentación fue ante 30 personas, durante el año de 1974, un concierto que resultó ser un desastre debido a la incapacidad de Dee Dee de tocar al mismo tiempo que cantar, (razón por la cual los roles se intercambiarían más adelante, Joey quien demostró tener más actitud como frontman, pasó a ser el cantante, Dee Dee pasaría al bajo que había sido abandonado por un miembro pasajero y Tommy ingreso a la banda como baterista). Para aquella época, ya eran conocidos como Ramones, un nombre inventado por Dee Dee, desde ese entonces, todos los miembros llevarían el apellido Ramone, el mismo apellido que utilizó Paul Mccartney durante el periodo Silver Beetles.

Su debut oficial como Ramones fue en un local llamado CBGB, un club  emblemático ubicado en la ciudad de Nueva York, EEUU. , considerado la cuna del punk, y que actualmente, tras su decadencia fue cerrado, sin embargo, en aquella época CBGB era un lugar en el que tocaban todas aquellas promesas musicales de mediados de los 70, Ramones tocaban una vez por semana allí que tras ser avistados allí, llamaron la atención de Sire Records, compañia discográfica que firmó con la banda un contrato de cinco años, así que para inicios de 1976, la banda se encontraba grabando su primer álbum homónimo: Ramones,  con un presupuesto bastante bajo en contraste con otras bandas de la época, personalmente uno de mis álbumes favoritos por lo original de sus letras ( Blitzkireg Bop, Bet on the Brat, Havanna Affair, 53rd & 3rd  por nombrar algunas) sin embargo, tras el lanzamiento y un concierto gestado por un empresario inglés en Roundhouse, Londres, la banda logró despegar, además de marcar un camino para las bandas punk británicas que también comenzaban a surgir como The Clash y Sex Pistols.



El logo de la banda fue creado por el artista Arturo Vega, un amigo de Joey y Dee Dee, el cual veía al grupo como la última banda americana, y pensó "El gran sello del presidente de los Estados Unidos sería perfecto para los Ramones, con el águila sosteniendo las flechas, para simbolizar la fuerza y la agresividad que se usa contra cualquiera que se atreva a atacarnos, y una rama de olivo, que se ofrece a aquellos que quieren ser amigos". Obviamente incluyeron algunos cambios, en lugar de la rama de olivo, había una rama de manzano, ya que los Ramones eran tan estadounidenses como el pastel de manzana. Y como Johnny era un fanático del béisbol, pusieron al águila con un bate en lugar de las flechas. En el rollo del pico del águila originalmente decia "Look Out/Below" sin embargo, fue cambiado por "Hey ho! Let's go!" por los gritos de apertura de Blitzkireg Bop, finalemente, en el sello presidencial Vega puso en su lugar los nombres de los cuatro miembros de la banda.


En el año de 1977 un poco después del éxito obtenido en el concierto, la banda ya había lanzado un segundo álbum: Leave Home, el cual cuenta con canciones que ya habían sido creadas, incluso para la época del primer álbum, las canciones eran puestas en orden cronológico, explicaría más tarde Johnny Ramone quien quería evidenciar el progreso de la banda,  cuenta con canciones como Pinhead, Commando o  I Remember You, aquel mismo año lanzan Rocket to Russia, uno de los álbumes más populares de la banda, además de contar con más presupuesto que sus anteriores trabajos,        Rockaway Beach, Sheena is a Punk Rocker, y el cover de Surfin Bird destacan de este álbum, tras continuar el trabajo musical y las giras, Tommy Ramone decide abandonar el grupo en 1979, cansado del movimiento que conlleva ser una estrella de música, decide convertirse en productor, en su reemplazo entraría, Mark Bell, apodado Marky Ramone.

El cuarteto neoyorquino lanza Road to Ruin su cuarto álbum en 1978, el cual es mucho más maduro, incluye baladas e incluso un solo de guitarra de Johnny Tommy Ramone, continuo vinculado con la banda, ya no desde la bateria, sino decidido a producir el álbum,que,  a pesar de ser desfavorable en ventas, tiene canciones como I Wanna Be Sedated y She s the one. Incursionando ya no solo en el mundo de la música, sino en el cine, The Ramones aparecen en el musical Rock N Roll High School en el que además de actuar, incluyen varias de sus canciones, otro involucrado en la película, el reconocido productor musical Phil Spector se interesó bastante por la banda, por lo cual decidió producir sus siguiente álbum: End of the Century de 1980, álbum que fue el más popular de la banda, irónicamente mucho más alejado de su sonido punk y acelerado que les caracterizo desde sus inicios,  la grabación del ábum fue bastante difícil, todos los miembros se mostraban reacios frente a la manera de hacer las cosas del aclamado productor, sin embargo Joey estaba a gusto y fue el único que realmente se quedó a terminar el álbum, Spector había sido una gran inspiración para él en su juventud.

Es para la década de los 80 cuando los problemas en la banda comienzan a surgir, los primeros problemas con la droga y el alcohol, en especial entre Joey y Johnny.
Joey era una persona de izquierda que buscaba otros caminos musicales para la banda más allá del punk,  mientras que Johnny era un conservador  que buscaba mantener al grupo unido a las raíces de sus primeros trabajos, la amistad que quedaba entre ellos llegó a su fin cuando Johnny se quedó con la novia de Joey, llegando incluso a casarse, todo este hecho está implícito en la canción The KKK took my baby away, (bastante buena por cierto). Además de las continuas discuciones entre ambos, Marky Ramone fue despedido debido a sus problemas de alcoholismo, ingresaría Richie Ramone, un nuevo baterista, incluso los problemas creativos y musicales eran evidentes en la banda, tras una serie de albumes cada vez menos llamativos, y de un desfile de bateristas que iban y venían, incluyendo el regreso de un renovado Marky Ramone, finalmente en 1989, Dee Dee Ramone, bajista de la banda decidió dejar la banda y lanzarse a una infructusa carrera como rapero FAIL, a pesar de eso continuo componiendo para la banda, la cual se dedicó a giras en varios países del mundo y a lanzar álbumes recopilatorios, Loco Live, muy parecido a uno de sus trabajos en vivo anteriores: Its Alive.

La banda se disolvió finalmente en 1996, después de esto, cada uno continuo con sus carreras en solitario,Adios amigos! y We re Outta Here serían los últimos álbumes en estudio y concierto respectivamente, fueron vistos  juntos por última vez en 1999, después de este momento solo quedaba esperar, el primero en morir fue Joey, quien al parecer ya sufría desde la década de los 90 de un linfoma, es decir una serie de enfermedades malignas en la sangre y la médula osea, su sueño, fue ver a The Ramones en el hall de la fama del rock n roll, el cual se cumpliría hasta 2002, año en que el cantante de la mítica banda ya había muerto, aquel mismo año Dee Dee sería encontrado muerto en su mansión, el bajista que había incursionado recientemente en el mundo del rap, y que poco despues regresó a la escena punk junto a otros grupos y otros proyectos, murió de una sobredosis de heroina.

Tras la muerte de su compañero Joey, con el que siempre había mantenido una relación distante, Johnny Ramone se mantuvo en un estado depresivo, al no haber arreglado las cosas con su ex compañero, finalemente en el 2004, tras luchar contra un cáncer de próstata, aquel que ocupó la posición 16 entre los mejores 100 guitarristas de todos los tiempos según la revista Rolling Stones, el legendario Johnny Ramone moriría.

Pasarían diez años para que el último de los Ramones originales muriera, Tommy Ramone fallecería a la edad de 62 años tras padecer de cáncer en las vías biliares, una noticia que conmocionó al mundo de la música, pues con la muerte del baterista original de los Ramones se cierra el ciclo de aquella primera ola punk que se apoderó de los EEUU, que demostró que no era necesario vestir de manera llamativa para tocar música rock, y que cuatro simples muchachos de pelo largo, jeans gastados y chaquetas de cuero fueron capaces de marcar la pauta para otras agrupaciones por venir, en palabras del mismo Tommy Ramone:"estábamos influidos por los cómics, el trabajo de Andy Warhol y el cine vanguardista".

                               

Se elevan las mariposas amarillas

Es vergonzoso admitirlo, sin embargo durante una parte de mi vida aborrecí sus libros, aún me acuerdo no pasar de las primeras páginas del Amor en los tiempos del cólera, aún sonrío recordando como solía ir con uno de mis amigos de aquella época a la biblioteca del colegio a alquilarlo día tras día, descendíamos las escaleras de la biblioteca en dirección al salón de clases muertos de risa, conscientes de que a pesar de que llevaremos el libro jamás lo ibamos a leer, nos lo turnábamos, un día se lo llevaba él, un día me lo llevaba yo, intenté leerlo, supongo que aún no tenía la madurez para leerlo con la seriedad debida.

Años más tardes sería "El Ahogado más bello del mundo" un reencuentro con el Nobel colombiano, está vez disfrute de la lectura y se afianzo un poco mi gusto hacía este género del Realismo Mágico, fue una ola que se elevó sobré mí e impactó con todo: Isabel Allende, seguida de Jorge Luis Borges y Julio Cortázar me impresionaron con sus relatos.

Mi siguiente encuentro con Gabo sería en décimo grado al salir una tarde de mi colegio, fue un hecho que únicamente puedo explicar como un milagro (?) caminaba en dirección a la salida cuando un joven se acercó a mí, me dijo "tome se lo regalo" extendió su brazo y me dió un libro, salió corriendo, no supe más de él, miré el libro, pasta morada, la cara de Gabo me sonreía en la carátula: Doce cuentos peregrinos, miré el libro por todos lados buscando un lugar en el que estuviera marcado para devolverlo en cuanto pudiese...nada, en los días siguientes nadie se acerco preguntando por el libro que me habían dado, así que fue una especie de encuentro que me marcó, un libro que llegó de la nada a mis manos ¿Por qué yo? Simplemente no encuentro explicación.

Recuerdo que el primer libro que leí con seriedad de García Márquez, tras el encuentro anteriormente mencionado fue La Hojarasca, caminé varios sitios del centro de la ciudad buscando aquel libro, era una de esas primeras veces que debía andar sólo por Bogotá, fue una experiencia traumante en realidad porque me metí por calles verdaderamente feas, más tarde sabría cual era el lugar indicado para buscar libros, pero aquel día llegué por azar a un lugar donde conseguí el libro, es una de las primeras ediciones que existen de aquella obra, así que la aprecio mucho.

Al ingresar a la universidad descubrí la impecable carrera que había tenido Gabo de periodista, muchas de sus notas y columnas son verdaderamente espléndidas, Notas de Prensa es un libro espléndido que espero leer completo alguna vez, leí varios de sus reportajes: "Cáracas sin agua", "Las dos caras de Hugo Chávez" sin embargo había llegado el momento de leer EL libro, aquel que le había valido un premio Nobel de Literatura en el año 1982...que puedo decir...es de esos libros que hay que leer con cuidado (en especial porque todos se llaman Jose Arcadio, Arcadio, Aureliano) y eso puede causar algo de confusión al lector, sin embargo es de esos libros que matizan la historia de nuestro país, la masacre de las bananeras, la guerra de los 1000 días, eventos que han marcado a Colombia y narrados a traves de los ojos de la familia Buendía convierten de este libro uno de los mejores que haya leído, es de esos libros que puedes devorar en cuestión de días.

Y es que Gabo siempre estuvo estrechamente relacionado a la historia de nuestro país, fue aquel 9 de Abril de 1948 que marcó la vida de Gabo quien desde ese entonces no dejo de hacer periodismo, Atrapado por "Cien Años de Soledad" procedí a a leer  El general en su laberinto, la historia de los últimos años de Simón Bolivar,  y El coronel no tiene quien le escriba" ¿como olvidar ese final?
.... Se sintió puro, explícito, invencible, en el momento de responder: -Mierda.
Poco a poco tras el pasar de los años, su manera de hacer periodismo,   sus personajes y sus obras  fueron ganándose mi admiración y gusto, mi biblioteca comenzó a poblarse de sus libros y cuentos.  Aquel hombre que soñó a Macondo, aquel que narró la historia de nuestro país de una forma tan cotidiana  se convirtió en una de esas figuras de las que uno dice "joder algún día me gustaría ser como él"

Conozco muchas personas que no gustan de la literatura de Gabo, que le critican, que no gustan de sus obras, y eso está bien, cada uno es libre de tener gustos diferentes  y distintas visiones del mundo,
 pero hoy, es indudable pensar que su legado no dejo huella en el mundo, que puso a Colombia por primera vez en el mapa, que nutrió la cultura del país no sólo a nivel literario, también como guionista de cine: ( ver Tiempo de Morir), como periodista en diarios como El Heraldo y El Espectador y fundamentalmente como escritor. Sin embargo no puedo dejar de pensar que aquellos que no tienen en el mejor de los conceptos García Márquez son unas personas desagradecidas y negativas siempre buscando el lado malo a todo, que si fue de izquierda por mantener amistades con el Che o con Fidel Castro, no por nada también fue amigo de grandes como Vargas Llosa, Julio Cortázar o el también fallecido Álvaro Mutis,otros lo critican por decidir vivir en otro país, y no en el nuestro, cualquier periodista sabe que si su labor ha sido buena, una vida en este país no tiene seguridades y es preferible marcharse, así han hecho muchos otros, Gabo en México, Samper Pizano en España....  Yo creo que Gabo no necesitaba salir con una bandera para demostrar su patriotismo...su literatura hababla por sí sola... Gabo fue quizá el único que sacó la cara por el país durante una época donde el narcotráfico era la única imagen que tenía el mundo de Colombia .


He leído varias de sus obras, muchas es un gran decir y sé que aún me falta mucho por leer de su trabajo, no me considero un conocedor de su vida, ni mucho menos, soy un simple lector apasionado haciendo un pequeño homenaje a un gran colombiano.

Es un dolor difícil de describir quizá porque Gabo era uno de mis escritores favoritos de esos pocos que aún no habían muerto, soy muy dado a la literatura universal y de siglos pasados, de la cual muchos escritores ya están muertos: Verne, Poe, Wells, Orwell, pero el saber que Gabo seguía con vida me hacía sentir seguro, supongo que eso termina hoy...es una sensación igual que con los músicos que mueren año tras año, queda un vacío tras su muerte, pues crees que es gente que no puede morir, que sus obras los convirtieron en seres inmortales.

Así bien, hoy  es un día negro para las letras, para la cultura, para el periodismo, para Colombia y para el mundo, pues se nos va, me atrevo a decir el colombiano más grande que haya nacido en esta tierra, es irónico pensar en su muerte, pues aquellos amantes de su literatura creíamos que este día nunca llegaría, que Gabo era sinónimo de eternidad, pero hoy una nube de mariposas amarillas se elevan partiendo para siempre.

Y ya para finalizar en palabras del maestro... "Aunque se sufra como un perro no hay mejor oficio que el periodismo" - Gabriel García Márquez 1927-2014

50 años de la Beatlemania

"Los Beatles salvaron al mundo del aburrimiento" - George Harrison

Corrían los mediados de los años 50s, la sociedad trataba de dejar atrás una guerra mundial que había dejado una brecha en la historia, mientras las naciones volvían a progresar, nuevos fenómenos como los códigos de barras  y la televisión fascinaban a las masas, el mundo vivía bajo la tensión de una inminente guerra fría y mientras esto sucedía   aires de cambios surcaban las aguas del pacífico, aíres de nueva música, de revolución navegaban en silencio en dirección a los puertos de Liverpool.

Fueron cuatro jóvenes de Liverpool los responsables de comenzar un movimiento que desencadenó a la música como jamás se había vivido antes, tomando lo mejor de artistas norteamericanos y acoplándole su propio estilo, abriendo las puertas a numerosos músicos que se apoderaron del mercado norteamericano y volviendo su música no sólo un privilegio del Reino Unido, sino del mundo entero.

Aquel día 7 de Febrero de 1964, los estadounidenses respiraban otro aíre que no fuera el de conspiración  y el de la muerte de John F Kennedy, Bob Dylan se preparaba para conocer a aquel fabuloso cuarteto británico del que tanto había oído hablar, Elvis aguardaba expectante a aquellos jóvenes que ahora parecían ser el futuro de la música, LA INVASIÓN BRÍTANICA HABÍA COMENZADO. 

John, Paul, George, Ringo, les debemos a ustedes el poder disfrutar de la música cómo lo hacemos hoy, de motivar a numerosos artistas a hacer sus propias canciones, que a su vez marcaron generaciones posteriores.  The Beatles es hoy  sinónimo de eternidad. 

Lou Reed Un paseo en el lado salvaje, hasta pronto.

 La parte más importante de mi religión es tocar la guitarra

Lou Reed 2 de marzo de 1942- 27 de octubre de 2013

El pasado lunes 27 de octubre de 2013, A la edad de 71 años,  el pionero del rock alternativo, cofundador de The Velvet Underground, rebelde por naturaleza, Lou Reed, se marchó, siendo otra de las leyendas que pasa a una mejor vida en lo corrido de este año.

Tras haber sido operado de un transplante de higado este mismo año, lo cual al parecer no bastó para favorecer la salud del guitarrista, Lou jamás se quedo quieto, incluso después de la separación de la banda que lo vió crecer, continuó una exitosa carrera como solista, la que lo llevó a hacer colaboracíones con distintos artistas como Damon Albarn de Gorillaz, Metallica, The Killers, Pete Townshend de The Who y David Bowie.

Ray Manzarek (1939-2013)

"There was no keyboard player on the planet more appropriate to support Jim Morrison's words. Ray, I felt totally in sync with you musically. It was like we were of one mind, holding down the foundation for Robby and Jim to float on top of. I will miss my musical brother." -  John Densmore, baterista de The Doors

"me entristeció profundamente saber de la muerte de mi amigo y compañero de banda Ray Manzarek, estoy contento de haber podido tocar canciones de The Doors con él durante la última década. Ray era una parte muy importante de mi vida y siempre lo echaré de menos". - Robby Krieger, guitarrista de The Doors

Se nos fue uno de los jinetes en la tormenta, otra de esas grandes leyendas, hoy le decimos adiós al teclista y cofundador de The Doors: Ray Manzarek.

Soy consciente de que este año han fallecido grandes del rock y del metal, pero es la primera vez que siento tan cercana la muerte de uno de estos músicos, la noticia de su muerte me tomó por sorpresa, y no pude evitar derramar un par de lágrimas por este músico, quizá porque me siento más identificado con el rock clásico y The Doors siempre fue una de mis bandas favoritas, más allá del encanto que despertaba Jim Morrison, Manzarek siempre fue mi miembro favorito de la banda, fue quien me demostró que una banda de rock no solo depende de una guitarra y una batería, sino que puede usar otros instrumentos para darle más fuerza a la banda.

Ray murió este lunes 20 de Mayo tras una larga lucha contra el cáncer, me sorprendí porque ni siquiera sabía que padecía de esta enfermedad, Manzarek fue uno de los artistas más influyentes y talentosos, sin este jamás habrían existido The Doors, nada fue lo mismo desde aquel día en la playa de California en el que Jim y Ray se encontrarían y cambiarían el rumbo de la música de la decada de los sesenta, nunca habrá otro hombre que haga sonar los teclados de tal forma como solo él solía hacer.

Siempre admiré a Ray por tener los huevos de continuar el proyecto que podría haber acabado con la muerte de Jim Morrison, sin embargo, Ray Manzarek continuo haciendo música junto a Robby Krieger y sus Riders on the Storm, el fue el encargado de continuar con el legado de Jim y The Doors, yo creo que las mejores palabras para cerrar este texto dicen mucho más que todos los párrafos que podría escribir acerca de él: This is the end beautiful friend This is the end my only friend, The End.

Descansa en paz Ray.

 "

Simon and Garfunkel

Ahhh me da pena con estos dos personajes, por que la primera vez que oi Mrs Robinson creí que la canción era de The Beatles y seguí engañado durante los siguientes dos años, hasta que un dia me pico la curiosidad, por que me di cuenta de que en realidad esa no era la voz de Paul o de John o de George o de Ringo (jajajaja) y me puse a averiguar y vaya sorpresa que me lleve y me empezó a gustar su musica y luego oi Sound Of Silence y ahh eso fue suficiente, fue una de los mejores letras que habia oido hasta entonces y bueno pasó un tiempo y me conformé con aquellas dos canciones, pero despues de una recomendación, comencé a oír mas y mas de ellos y aghh es increíble que sean tan solo dos sujetos, pero es que tienen tanto talento.

 Bueno este duo de folk se comenzó a gestar mucho antes de que llegará a la fama en la década de los 60s, en realidad, sus dos integrantes: Paul Simon y Arthur Garfunkel crecieron juntos en un barrio de Queens,  Nueva York, fueron a la misma escuela y a medida que crecieron así también creció su amistad, y con tan solo 16 años, Simon ya le había propuesto a su amigo crear un duo musical Arthur acepto y comenzaron llamandose "Tom y Jerry" como las caricaturas.

Para 1957 Paul y Simon comenzaron a crear sus propias canciones, una de estas que la decidieron promocionar durante uno de los bailes del insituto donde estudiaban, la canción: Hey Schoolgirl, tuvo buena acogida y decidieron lanzarla como demo para despues hacer su primera grabación oficial, un caza talentos escuchó la canción y le encanto, les prometió la fama y firmaron un contrato con el sello Big Records, el primer álbum  vendió 100.000 copias, sin embargo Tom y Jerry lanzaron varios temas sin éxito, y al graduarse cada uno tomo un camino diferente y se inscribieron en  universidades separadas, Simon buscaba estudiar lengua inglesa y Arthur matemáticas, este parecía ser el final para Tom y Jerry, solo el tiempo lo diría.

Ahora divididos, Simon  y Arthur buscan fortuna cada uno en  carreras  en solitario, pasando por diversos grupos, todos con una duración inestable y con pocos resultados,

Pero en 1963, Arthur y Paul  se volvieron a reunir, esta vez con el nombre de Simon and Garfunkel, ambos influenciados por la música Folk tocaron en un festival de Folk junto a artistas como Bob Dylan que comenzaba tambien a ganarse una reputación, decidirían lanzar entonces su primer álbum Wednesday Morning 3.am, que fue lanzado al público en 1964 y que sería un fracaso comercial.

  Simon decide viajar a Londres, durante su estancia en Inglaterra, Simon toca en varios clubes de Folk de Londres y Liverpool, mientras estaba allí, Simon escuchaba que los oyentes de las diferentes emisoras, pedían constantemente una canción de su álbum fallido llamada The Sounds of Silence, Paul Simon quedo sorprendido, su canción había entrado a la lista de los grandes éxitos, al ver esto, decidió regresar inmediatamente a EEUU y contactó de nuevo a Garfunkel, para crear nuevas canciones juntos del mismo estilo de The Sounds of Silence, y para 1966 saldría su nuevo álbum titulado con el nombre de la canción

que los lanzó a la fama.

Esta vez las cosas se decidieron hacer bien, el segundo álbum alcanzó el puesto 19 en las listas, y el primer álbum decidieron reeditarlo y lanzarlo de nuevo, incluyendo esta vez canciones que Paul Simon había hecho en su tiempo como solista.

A partir de ese momento, el duo comenzó a gozar de fama, habían conseguido vender varios millones de discos y ahora habían prestado varías canciones para lapelícula de 1968 : "El graduado" de las cuales la más famosa sería Mrs Robinson que sería incluida en el álbum Bookends junto a otras como America y Old Friends.

Sin embargo y apesar de toda la fama con la que contaban, Garfunkel se sentía incomodo, Simon se había encargado de todas las composiciones, limitando a Garfunkel, esto hizo que la relación entre los dos amigos decayera bastante, a pesar de todo continuaron creando música, y en 1970 lanzarían otro de sus álbumes cumbre: Bridge Over Troubled Water y personalmente mi favorito, con excelentes canciones como El cóndor pasa, Cecilia, The Boxer, el álbum estuvo de primer lugar en las listas durante diez semanas, después de esto comienza una gira por toda Europa, una gira en realidad bastante exitosa que finalizó con la separación del duo que continuo con sus carreras en solitario, desde entonces el dúo se ha reunido en varias ocasiones, en el año de 1993 ingresaron al Salón de la Fama del Rock N Roll, en una de las últimas ocasiones la reunión fue tan exitosa que decidieron emprender una gira, continuando con su música que a pesar de estar separados continuan divulgando aún despúes de casí 60 años. 

Simon and Garfunkel año despues

40 años del Lado Oscuro de la Luna

Se han escrito ríos de tinta acerca de The Dark Side of The Moon, pero este año que se cumplieron  40 años de su publicación, considero más que necesario rendirle un homenaje uno de los álbumes más emblemáticos de la agrupación británica Pink Floyd. Creada en 1965 y conformada por Roger Waters en el bajo, Nick Mason en la batería, Richard Wright en los teclados y David Gilmour en la guitarra y en la voz.

Pero bueno, supongo que esto ya lo saben mis queridos lectores, y es información que sobra, gracias a sus grandes espectáculos en vivo, sus letras de corte filosófico  y  su estilo  experimenta, Pink Floyd  se  ha convertido en una de las bandas más importantes y veneradas en el mundo del rock, pero sería con The Dark Side of the Moon, su octavo álbum de estudio que la banda alcanzaría totalmente el éxito comercial, logrando ser uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias, únicamente superado por Thriller de Michael Jackson y Back in Black de AC/DC. Además de estar  ubicado en la posición 43 de los 500 Mejores álbumes de la historia según la revista Rolling Stone. (si lo se, la revista Rolling Stones a tenido en ocasiones sus descaches, pero hay que admitir que en está ocasión tuvo la raz{on, yo habría puesto el álbum en una mejor posición pero pues que le hacemos).

El álbum fue concebido en los estudios Abbey Road, ubicados en  Londres, y comenzó a grabarse a partir de Junio de 1972 hasta ver la luz en enero de 1973, bajo la supervisión de Alan Parsons.

 La temática del álbum surgió de la mente del bajista y ahora nuevo lider y compositor de la banda: Roger Waters, que tomó las riendas de Pink Floyd cuando su antiguo lider: el guitarrista Syd Barret decayó y terminó por abandonar la banda, Barret quedo a la deriva en un mar de locura y problemas mentales. Waters dejó de lado la psicodelia tradicional de Pink y tomó un camino más experimental,  tenía la intención de crear un álbum que tratara sobre cosas que hicieran enfadar a la gente, un álbum que se diera a entender facilmente, abarcando una serie de temas como: la ansiedad, la locura, la  muerte, el envejecimiento y la avaricia; todo influenciado por la partida y situación de su amigo y antiguo miembro de la banda.

En su interior yacen diez canciones, distribuidas en un total de 42 minutos, El álbum comienza y finaliza con los latidos del corazón, y a lo largo de su reproducción se añaden diferentes efectos como los de una caja registradora, relojes, helicópteros entre otros sonidos, asi es como Speak to me, Breathe, On The Run, Money, Time, The Great Gig in the Sky, Us And Them, Any Color you like,  Brain Damage y Eclipse nos van narrando la vida de un inidividuo común y corriente, desde su nacimiento hasta su muerte, mientras que el egoismo, el dinero, el consumismo y la locura como eje central dan vida a está magnífica obra.

The Dark side of the Rainbow

Existe una razón por la cual este álbum me resulta bastante llamativo, pues hay un extraño efecto de sincronía al escuchar The Dark Side of The Moon y ver la película El Mago de Oz de 1939 al mismo tiempo ya que coinciden algunas escenas del filme con las letras de las canciones del  álbum, lo que me lleva a preguntarme ¿cómo carajos hicieron para descubrir este fenómeno?, ha gente muy loca en esta vida, me imagino tremendo viaje en el que andaban para estar  viendo una película tan antigua y al oir al tiempo el Dark Side. Los miembros de Pink Floyd  han declarado en varias ocasiones que este fenómeno ha sido una total coincidencia y que nunca fue planeado.

Al final del post dejaré el video completo de la película ambientada con las aventuras de Dorothy, el león, el espantapajaros y el hombre de hojalata.

En pocas palabras The Dark Side of the Moon es un álbum perfecto de cabo a rabo, considerado por algunos como una obra maestra de la música contemporánea, una pieza de colección digna de un museo,  otros se  han dedicado desde analizar su famosa portada hasta interpretar el significado de sus canciones, una de esas obras de arte del siglo XX, con una perfección y concordancia tanto lirica como musical, convirtiéndose en  uno de los álbumes responsables de llevar a Pink Floyd a la cumbre.

https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=0gXvVUg-VAE

The Velvet Underground

Paso a paso llegando al final de esta etapa de las bandas que surgieron en  la década de los 60s, se que llevaba semanas sin escribir pero aquí estoy de vuelta, con una de las mejores bandas de la época, y en realidad conocida por verdaderos melómanos o aquellos amantes de la psicodelia y los sesenta, me refiero a The Velvet Underground.
Como dije, nunca alcanzaron el éxito comercial de otras bandas de la época, y sin embargo merecen ser igualmente destacadas y puestas a su mismo nivel, la banda nació en New York  en 1964, la historia comienza con Lou Reed, un joven guitarrista que había pasado por varias bandas de garaje y además trabajaba como compositor para la Pickwick Records, por esos días conocería a un estudiante galés de nombre John Cale que se había mudado a EEUU  después de conseguir una beca para estudiar música clásica, pronto descubriero que los dos tenían afinidades musicales, juntos decidieron comenzar a formar un proyecto musical.
Así surgió The Primitives, un grupo de corta duración creado con la intención de promocionar un sencillo de Reed, más tarde reclutarían a  Sterling Morrison, un antiguo compañero de de Lou Reed en la universidad que sabía tocar  la guitarra y aun vecino de John y Lou llamado Angus McLise que tocaría la percusión, juntos ahora como un cuarteto pasaron a llamarse The Warlocks y después The Falling Spikes.

Pero el nombre con el que pasarían a la historia, surgió del título de un libro de Sadomasoquismo que un amigo en común de la banda había encontrado en la calle, McLise sugirió que ese fuera el nombre de la banda, todos estuvieron de acuerdo, además de que el nombre evocaba un cinema underground, durante esa misma época ya existia una cinta donde habían grabado varios de sus canciones más conocidas como Venus In Furs, All Tomorrow Parties, y Heroin.

La banda tuvo su primera oportunidad de darse a conocer al ser contactados por un promotor musical que les ofreció $75 dolares por hacer de teloneros de otra banda, Angus McLise dejó la banda alegando que se estaban comercializando, por lo que a la percusión llego Maureen Tucker, la hermana de un amigo de Sterling Morrison, Maureen tenía una manera muy particular de tocar la batería  tocaba con mazos, no con baquetas, tocaba de pie, Maureen dijo más tarde que había asumido esta forma de tocar luego de que los demás miembros del grupo le pidieron que hiciera algo inusual al tocar.

Despues del concierto, el promotor les consiguió un contrato para hacer presentaciones en un local llamado Cafe Bizarre, la banda no tardó en ser despedida, pero alcanzo a estar lo suficiente para que un día a ese mismo local entrase el artista Andy Warhol, al que le fue sugerido que sería una buena idea tener una banda de música en The Factory....muchos dirán pero que es The Factory, este fue un estudio de arte fundado por el mismo Andy Warhol en Nueva York, por este estudio se paseaban otros artistas como Salvador Dalí, Truman Capote,Mick Jagger, John Lennon y Brian Jones, y bueno muy pronto tambien lo harian los Velvet Underground, The Factory no solo funcionaba como estudio de arte, tambien se filmaban películas, y se reunian los bohemios, se llevaban a cabo grandes fiestas que incluian todo tipo de actividades, el sexo, la buena música, las drogas, las orgías, las anfetaminas y el  libre pensamiento eran el pan de cada día.Creo que es justo que otro día haga una entrada únicamente para Warhol y su arte.

Volviendo al tema de Velvet, quizá eran las letras inusuales de sus canciones o los  ruidos experimentales y las distorsiones o la cultura hippie de la época, pero Andy Warhol encontró en The Velvet Underground algo fuera de lo común y se convirtió en su manager.

La primera decisión que tomó Andy como manager fue incluir en la banda a la modelo: Nico (mamasota), por supuesto que la banda dijo como WTF! Lou Reed y John Cale pensaban que estaban perdiendo las riendas de la banda, pero vamos!! era Andy Warhol el que les estaba dando su apoyo, como le iban a decir que no, asi que terminaron aceptando y The Velvet Underground pasó a llamarse The Velvet Underground And Nico, se adaptaron algunas canciones para que las cantara Nico y cuando era Lou el que cantaba ella tocaba la pandereta.
Con ella lanzarían su primer album titulado de manera homónima, a pesar de contar con el apoyo de Andy Warhol, no había discográfica que se hiciera responsable de difundir el album de los Velvet por su contenido, finalmente Warhol llegó a un acuerdo con una discográfica, el album solo llego al #171 de las listas,  sin embargo el album contó con una celebre portada diseñada por el mismo Warhol.
Que puedo decir de este album, me gustan todas sus canciones, no hay una que no me guste, me gustan Ill be your mirror, Heroin, Venus in furs, Femme Fatale...todas!! recomendado

Lou Reed tomó la decisión de despedir a Andy de su labor como manager, de paso, tambien despidió a Nico, en realidad para la banda no fue agradable el hecho de tener que grabar un album junto a ella. The Velvet Underground no perdió tiempo y comenzó a preparar su segundo album: White Light/ White Heat con el que volviò a las raices de la banda, crudo, con sonidos innovadores, distorsionado, "conscientemente antibelleza" como lo describiría el mismo John Cale, el album logró entrar al top 200 del Billboard de lugar 199 xD de aquí me gusta una canción llamada The Gift.

Por otro lado, como suele pasar en las bandas, la tensión comenzaba a aparecer en la banda, pues era evidente la poca atención que recibían, además de las constantes diferencias entre Lour Reed y John Cale, asi que Reed llegó a un ultimatum, les dijo a los demás miembros de la banda escojan o se quedan conmigo con Cale. Maureen y Sterling escogieron a Lou por ser el compositor principal así que Cale se marchó y entró a reemplazarlo el bajista Doug Yule.

Para 1969 llega su tercer álbum también de título homónimo ya que habían vuelto a ser The Velvet Underground, sin el Nico, era un álbum mucho más tradicional con ritmos más tranquilos, esto se debe a la ausencia de Cale que era el que se encargaba de la experimentación, ahora toda la parte creativa bajo la dirección de Lou Reed marcaban un gran cambio de aquí sale mi canción favorita de los Velvet: Pale Blue Eyes además de That's the Story of My Life y After Hours, además del extraño The Murder Mistery.

El ùltimo disco oficial de la banda fue Loaded de 1970  en el sello Atlantic Records pues fueron echados de su antigua discográfica ya que el presidente de la compañia decidió echar a todas las bandas y artistas relacionados al hippismo ya la psicodelia característicos de la década pasada, en este álbum hay canciones como Sweet Jane y Rock N Roll que merecen ser rescatadas, las baterias de las canciones fueron grabadas por diferentes personas debido al embarazo de Maureen Tucker, en agosto de 1970 Lou Reed decidió dejar la banda y regresó a la casa de sus padres.
Despues de este hubo otro albúm llamado Squeeze, pero vamos, los miembros fundadores de la banda se habían marchado, Sterling tambien se había ido y Maureen a pesar de aún ser miembro de la banda no se involucró en el proyeco y había sido Doug Yule quién asumiera las riendas y trajera personal nuevo, no vale la pena o por lo menos para mi, narrar este episodio, Yule disolvió la banda  en 1973.

A pesar de su corta duración su influencia fue enorme, llegando a marcar los estilos de bandas como The Ramones, Blondie, Talking Heads y Sonic Youth, la banda redifinió la forma de hacer música, y decidió  salirse de la corriente comercial y enfrentarse a las grandes discográficas que rechazaban el contenido de sus letras, una banda polémica, si, pero buena.
La banda ingreso a 1996 al salón de la fama del Rock N Roll

Lou Reed: (1942- ) Nacido en EEUU Nueva York, es considerado el padre del rock alternativo, fue el guitarrista, vocalista, letrista y lider de la banda y después de esta tuvo una fortuita carrera como solista, este era un hombre adelantado a su época,  con sonidos que solo se vieron presentes hasta la aparición del punk en los 70s, lucho contra su adicción a las drogas que logró dejar en la decada de los 80s y en la actualidad ha trabajado con numerosos artistas como Gorillaz, Metallica, David Bowie e Iggy Pop.

Maureen Tucker: (1944-)  Nacida en New York comenzó a tocar la batería a los 19 años,  también maneja la guitarra ,  el saxofon, el bajo y las vocales, continuo como solitaria después de su paso por la banda. 

Sterling Morrison: (1942-1995)  También nacido en New York, en la banda tocaba la guitarra eléctrica, y en ocasiones tambien colaboraba en el bajo, siempre continuo con sus estudios universitarios a pesar de estar en la banda y cuando John Cale se fue, compartió los roles de guitarrista con Lou Reed sin estar jerarquizados, al salir de la banda se dedicó a ser marinero hasta ascender a capitán, fue diagnosticado de cáncer en los glóbulos blancos (enfermedad de Hodgkin) la cual causaría su muerte en 1995.

John Davies Cale: (1942- )  Natural de Gales, llegó a América  con la idea de estudiar música clásica,  pero se convirtió en el cofundador de la banda junto a Lou Reed, Cale fue quizá el que más talento musical tenia adentro, era un multinstrumentista que manejaba la guitarra, el bajo, la viola, el violín, los teclados, el violonchelo, el piano entre otros, al igual que Lou, despues de su partida del grupo comenzó una carrera como solista hasta el día de hoy  

Christa Päffgen: (1938- 1988) más conocida como Nico nació en Colonia, Alemania, fue intima amiga de Andy Warhol lo que le valió su lugar en la banda, y al salir de esta comenzo sus proyectos en solitario, es más conocida por sus labores musicales, sin embargo tambien fue actriz y por supuesto modelo, murió de un derrame cerebral despues de sufrir un paro cardiaco mientras paseaba en bicicleta

Un nuevo aire en el blog

Por donde empezar... este blog se ha convertido en un espacio de cultura y de conocimiento que me ha desarrollado como persona y como apreciador de la buena música, un lugar donde puedo ser yo mismo, hablar de quizá lo que más disfruto en este mundo: La Música, recuerdo hace ya casi cuatro años que empece este proyecto con la esperanza de que al menos una persona además de su autor lo leyera y la gustará, a pesar de la mala ortografía que he ido mejorando notablemente, a pesar de la desinformación que poco a poco fue desapareciendo, a pesar de empezar como un proyecto individual, he visto como poco a poco este espacio ha ido creciendo y como mis fronteras musicales se han ido ampliando.
Este espacio siempre le será fiel al inmortal y amado Rock N Roll, pero sin embargo, al igual que el blog, yo tambien he crecido y mis horizontes se han expandido y me he llegado a convertir, además de un amante de la música, en un amante del arte, de la filosofía, del cine y de la literatura, y me parece algo egoísta dejar de lado estas otras pasiones de lado y no incluirlas en el blog, es por eso que a partir de ahora además de las ya acostumbradas entradas de música, es probable que de vez en cuando y según mi tiempo libre y mi disposición encontrarán temas que traten de arte y literatura, prometo que no será aburrido ni perderá el toque.