The Lovin' Spoonful

Esto es lo lindo del re descubrimiento, navegar en las desconocidas aguas de la música y comenzar a remar, en ese desconocido mundo, los últimos años dejé en segundo plano el encontrar nuevas canciones o artistas, bueno de hecho sí lo hice, pero quizá me orienté a otros géneros o épocas más actuales, sin embargo hoy volví a mi década musical favorita: los 60.

Y lo hice a través de una banda que escuché hace mucho tiempo en una versión de Joe Cocker, con una buena voz, sin duda, pero con un toque más moderno, mi sorpresa llegó cuando revisaba la lista de las mejores 500 canciones según la revista Rolling Stone, y allí estaba, en en lugar 401: "Summer in the City", original de  The Lovin' Spoonful, no podía ser posible, esa era una canción de Joe Cocker, debía revisar en ese mismo entonces, acudí a mi fiel amigo Youtube y escribí rápidamente y allí estaba la canción original.

Unos toques pastel y bastantes psicodélicos me hicieron entender que se trataba de una canción original de 1966, de regreso a aquella época maravillosa, no sabía que era mejor si la voz del cantante o su actitud mientras tocaba, o el ritmo de su teclado o la batería o la letra de la canción  o lo bien que me hacía sentir la canción por dentro, era un conjunto de emociones brillante, lo escuché una y otra vez y pensé 'Joder, qué canción'.

Así que cuando finalizó la canción no me detuve ahí, necesitaba más canciones de ese grupo, "Summer in The City" era tan solo el inicio, me dejé llevar por una canción llamada "Daydream" una palabra que no me es ajena, el resultado fue el mismo, el ritmo o la letra no sé que es pero es un grupo realmente brillante.

La banda nació en Nueva York, justo a tiempo para vivir el verano del amor, partiendo de las referencias musicales de grupos contemporáneos británicos como The Beatles o The Kinks y grupos estadounidenses como The Byrds, Buffalo Springfield, The Turtles o el dúo de Simon & Garfunkel,

Liderados por John Sebastian, un hombre que heredó las aptitudes musicales de su padre, y además de contar con una gran voz, aprendió a tocar el piano, el arpa y la guitarra. el harmonicista  John Sebastian Sr.

Sebastian criado en un ambiente musical donde el folk jugaría un papel fundamental conoció  durante la década de los cincuenta al guitarrista canadiense Zal Yanovsky, juntos compartían un gusto en particular por la música folk y una inclinación por la música de  Bob Dylan.

Juntos tocaron en diferentes pequeños clubes y cafés de Greenwich Village con un grupo llamado The Mugwumps, formación que en su momento también tuvo a a Mama Cass y a Denny Doherty, futuros integrantes  de The Mamas & The Papas.

Finalmente The Lovin’ Spoonful se completa, además de contar con Yanovsky y Sebastian con el bajista Steve Boone  y el baterista, de paso vocalista  Joe Butler. La banda tomó su nombre de "Coffee Blues", una canción de  Mississippi John Hurt, un guitarrista de blues, a menudo, el blues usaba el término "a spoonful" para referirse al sexo y en algunos casos para referirse a las drogas como la cocaína. Puro feeling hippie de la época.

Lo exitoso de los Spoonful en realidad provenía del talento de Sebastian, digno compositor capaz de crear  pegajosas canciones pop con tintes de folk y country, algo que llamaría la atención del sello  Kama Sutra con el que publicaron su primer sencillo al que titularon "Do you believe in magic?", el primero de sus hits, pues a pesar de la corta vida de la banda, su cantidad de éxitos comerciales es asombrosa. 

Su primer álbum, contaba además con composiciones en su mayoría propias, algo que pocos artistas hacían para la época y una práctica que hasta ahora parecía ser adoptada, recomiendo además de su primer álbum, una canción llamada "Younger Girl". 

Su segundo álbum titulado "Daydream" de 1966 incluía además de una canción homónima (la cual nombre anteriormente) otra joya  llamada  "You Didn’t have to be so nice".

Para aquel mismo año compartieron con el mundo el éxito que me cautivó de esta banda: "Summer In The City"

Lo curioso de sus siguientes álbumes fue la unión que tendrían con el cine, pues para su tercer LP,
“What’s Up, Tiger Lily” se convertirían en la banda sonora del primer filme que dirigiría Woody Allen (Del fucking Woody Allen). (¿Sabría la banda al genio fílmico que tenían en frente?.)

El último trabajo de aquel año, "Hums of the Lovin' Spoonful" contenía sus éxitos “Rain on the roof” y “Nashville Cats”,y claro “Summer in the city”.

Tras lanzar un álbum recopilatorio, el cual fue el más exitoso comercialmente, la banda  regresaría a colaborar con otro famoso director, en este caso con Francis Ford Coppola  (El Padrino, Apocalypse Now) para hacer la banda sonora de "You’re a big boy now" de 1967. 

Sin embargo aquel mismo año, Zal Yanovsky, se vio involucrado en un lío con la Policía pues fue detenido, por posesión de marihuana, la Policía lo presionó para que le diera el nombre de su proovedor, al ser un ciudadano canadiense, temía ser deportado por lo que tuvo que confesar, todo resultó un gran alboroto en la comunidad hippie, a tal punto que el guitarrista terminó por abandonar la banda y a pesar de comenzar su carrera en solitario, su reputación había sido fuertemente afectada. 

Tras la salida de Yanovsky, su compañero y amigo,  John Sebastian, decide iniciar su carrera en solitario, dejando a la deriva a los Spoonful que sin la capacidad compositora de John y a pesar de los esfuerzos del baterista  Joe Butler, The Lovin’ Spoonful desapareció en 1968.

Su carrera fue veloz y sin embargo lograron dejar su huella en la concepción del rock and roll, a tal medida que en el año 2000 ingresaron al Rock N' Roll Hall of Fame, donde se reunieron una vez más para tocar algunos de sus clásicos, una de las bandas americanas que merecerían tener más popularidad

Tony Iommi, el verdadero hombre de hierro

Birgminham, es considerada la segunda ciudad más importante de Inglaterra, para el pueblo inglés, la ciudad representa la locomotora de la Revolución Industrial del Reino Unido, llegando a ser conocida como "La fábrica del mundo" o la "Ciudad de los mil negocios”, un centro de fabricación, metalurgia e ingeniería que sería el hogar de Anthony Frank "Tony" Iommi, guitarrista de la agrupación Black Sabbath.

Desde los diez años, Iommi aprendió judo, karate y boxeo, todo con el fin de protegerse de las bandas locales que se congregaban en su vecindario y que probablemente le harían matoneo si se encontraran con él, era tan bueno como boxeador que ya se imaginaba en un futuro como un luchador peleando cada noche en los diferentes clubes, evadiendo así el hecho de trabajar en una aburrida fábrica.

Además del boxeo, a Iommi le gustaba la música, inicialmente atraído por la batería, finalmente fue la guitarra la que lo sedujo, la cual aprendió a tocar como zurdo, dejando de lado su faceta de luchador y enfocándose más en la música, el joven Iommi se graduo y comenzó a trabajar como plomero para luego unirse a una fabríca de anillo, de hecho, antes había trabajado en una tieneda de música, pero renunció después de haber sido falsamente acusado de robo. 

La vida está llena de ironías, a la edad de diecisiete años, Tony había terminado trabajando en una fábrica metalúrgica, donde se encargaba de pasar planchas metálicas al encargado de la perfiladora de metales, un día, su compañero no asistió a la fábrica, e Iommi tuvo que hacer ambas labores a la vez, tenía ante él una enorme máquina, nunca había desempeñado esa labor, y en medio de un descuido, una de las máquinas rebanó la primera falange de los dedos corazón y anular de su mano derecha, adolorido y con sus manos cubiertas de sangre, el guitarrista recuperó los trozos de sus dedos y se dirigió al hospital donde no pudieron hacer nada, sus dedos simplemente estaban incompletos, lo más irónico es que ese sería su último día de trabajo en aquella fábrica metalúrgica.

Destruido, Iommi era consciente de que sus heridas no le permitirían seguir tocando música, estaba considerando seriamente abandonar la guitarra. Durante aquellos días, uno de sus compañeros de la fábrica le mostró una grabación de Django Reinhardt, un famoso guitarrista de Jazz. 

“Escucha a este sujeto” le decía su compañero, Iommi se negaba rotundamente, escuchar a alguien tocar guitarra era lo que menos quería en ese momento de frustración, su amigo insistió tanto que finalmente Tony accedió y juntos escucharon la grabación.

Iommi reconocía que el guitarrista era bastante bueno, su amigo lo miro y le dijo “Sabes, este sujeto toca únicamente con dos dedos en su diapasón, perdió el resto de su mano durante un incendio en un campamento gitano”

Sorprendido por tal revelación, la inspiración regresó a Iommi decidió no darse por vencido, inspirado por la superación de Reinhardt, decidió volver a tocar guitarra, probablemente la solución más práctica hubiera sido girar su guitarra y aprender a tocar como diestro, pero Iommi reconoció que ya tenía una forma de tocar, no tendría la paciencia para aprender a tocar de nuevo con su otra mano, simplemente era imposible. 

Ante tal negativa, Iommi era firme ante su decisión de tocar como zurdo y trabajar con lo que tenía, el proceso fue doloroso, decidió hacerse unas puntas de dedo con botellas de plástico derretidas, las prótesis protegerían sus dedos además de darle un poco más de longitud, sin embargo esto no sería tan sencillo, dos problemáticas surgieron a raíz de sus prótesis plásticas, la primera, el plástico no le dejaba sentir las cuerdas, las cuales presionaba con demasiada fuerza, la segunda le era muy difícil flexionar las cuerdas.

Esto, lo llevo a buscar unas cuerdas más ligeras, sin embargo en esa época, aquellas cuerdas no existían, la única solución fue usar cuerdas de banjo, las cuales siguió usando hasta 1970 cuando Cuerdas Picato decidió comenzar a crear cuerdas de calibre ligero, le preocupaban más las notas sencillas, incluso más que los solos, era difícil, incluso tenía que usar con mayor frecuencia su dedo meñique, con el paso del tiempo, comenzó a afinar sus cuerdas de guitarra a los tonos más bajos , a veces hasta tres semitonos por debajo de afinación de guitarra estándar, tan solo escuchar Children of the Grave puede dar evidencia de esto, un nuevo sonido había nacido, más grande, más pesado, más cercano al Heavy Metal.

“ Por supuesto que perder la punta de mis dedos fue devastador, pero en retrospectiva, esto resultó la creación de algo más, me hizo inventar un nuevo sonido y un estilo difrerente de tocar, otra clase de música, realmente algo bueno nació de una algo malo " afirma el guitarrista de Black Sabbath. 

El resto es historia, para 1967, Iommi formó el grupo Earth, se reunió con Ozzy Osbourne, Geeze Buttler y Bill Ward, pasaron a la historia con el nombre de Black Sabbath, pasó de ser un hombre con una incapacidad a convertirse en el padre del Heavy Metal y en uno de los mejores guitarristas de la historia. 

El adios al emperador Bowie y la caída de un imperio

Sé cómo pedir cigarrillos en cualquier idioma: David Bowie

La partida de David Bowie ha sido trascendental; con su deceso, finaliza la concepción de una generación musical, su muerte, unida a la de Lemmy Kilmister tan solo unos días antes, representan la caída de una civilización de músicos que ya no se forman de tal manera, rebeldes pero disciplinados,innovadores pero apegados a la tradición, dados al vicio pero entregados y comprometidos con su arte, expresivos, llenos de carisma y talento.

Es el ciclo de la historia y supongo que gradualmente esto sucederá con nuestro más longevos y queridos artistas, personajes como Eric Clapton, los Rolling Stones, Bob Dylan y los sobrevivientes de The Who y The Beatles son definitivamente los últimos exponentes de aquella encantadora música de los 60.

Con la muerte de uno de los grandes visionarios e innovadores de la música del siglo XX, tal como lo afirmó Flea bajista de los Red Hot Chili Peppers, muere el rock, eso es todo, bastó con presenciar el homenaje que se hizo al bajista y líder de Motorhead, para comprender lo que significará la pérdida de Bowie para la escena cultural del mundo.

Al menos en mi mente la muerte del querido David Bowie es una analogía del Imperio Romano, Bowie era un emperador, majestuoso, elegante, respetado y admirado por sus colegas y seguidores ¡Ave César!. 

Sin embargo, creo que murió en su ley, se despidió de este planeta con estilo, cumplió años, lanzó un álbum y se despidió de todos a través de este mismo, lo auguraba, su último álbum 'Blackstar' era una revelación que todos tardamos en comprender, desde su nombre, hasta las letras de sus canciones, pasando por la portada del álbum son pistas que dejó el cantante y que solo hasta hoy comprendemos, se adelantó a su muerte, un genio en todas sus formas.

Amante de Elvid Presley y Little Richard, Bowie se crió en las calles de Londres, donde aprendió a disfrutar del Skiffle y el Rock N Roll, para luego aprender del jazz y de sus grandes representantes, Charles Mingus y John Coltrane, poco se imaginaba que se convertiría en uno de los pioneros del glam rock y en un camaleón de la música durante los siguiente cincuenta años, David Bowie, "El Duque blanco", Ziggy Stardust, Aladdin Sane, o simplemente David Robert Jones

Un caballero a fin de cuentas que además se aseguró de aprender a tocar guitarra, armónica, saxofón, piano y viola y batería, compositor de 111 sencillos y 26 álbumes de estudio, su vida no se resigno únicamante a la música, su papel en la industria del cine también es memorable, sin tener cuenta sus pasatiempos, el dibujo, la literatura, la escritura y la escultura. Hizo uso de la literatura a la hora de componer sus canciones,al acudir  a menudo  a George Orwell, H.P Lovecraft, Friedrich Nietzche y Truman Capote.

Aquel ser andrógino que tenía cada ojo de un color diferente representó una gran influencia para diferentes géneros artistas o acaso cree que The Man Who Sold The World era una composición propia de Nirvana, no, Kurt Cobain tomó la canción y le dio un nuevo aire en 1993, Bowie influyó en la estética de agrupaciones como Sex Pistols y The Cure, trabajó junto a Queen en  Under Pressure e incluso en la creación del álbum Double Fantasy de John Lennon. 

Por supuesto que la muerte de Lemmy fue dura y afectó de gran forma la escena del hard rock, de igual forma la partida de muchos otros los años anteriores, Ray Manzarek de The Doors, Lou Reed, y BB King han sido demoledoras, cuando murió Lemmy muchos músicos mostraron sus respetos y condolencias con su partida, ni que decir de su funeral al que asistieron miembros de Metallica, Ian Scott de Anthrax, Slash de Guns N Roses, Dave Grohl y Ozzy Osbourne, pero hoy, el adios de Bowie es diferente, la partida de "Ziggy Stardust" toca las fibras del rock clásico en todas sus formas. 

As John & I had very few friends, we felt David was as close as family. Sweet memories will stay with us forever. pic.twitter.com/WoZsztnm4E

— Yoko Ono (@yokoono) enero 11, 2016

Paul on @DavidBowieReal https://t.co/KVxmjBdYT1 pic.twitter.com/aNJi3BjAuv

— Paul McCartney (@PaulMcCartney) enero 11, 2016

Rest in peace @DavidBowieReal 1947-2016. With love, Pete Townshend and Roger Daltrey. https://t.co/ufVVu0G07y

— The Who (@TheWho) enero 11, 2016

We had so many good times together. He was my friend, I will never forget him. 2/2 pic.twitter.com/9xfPj88x8b

— Mick Jagger (@MickJagger) enero 11, 2016

The Rolling Stones are shocked and deeply saddened to hear of the death of our dear friend David Bowie... 1/2

— The Rolling Stones (@RollingStones) enero 11, 2016

MESSAGE FROM IGGY: "David’s friendship was the light of my life. I never met such a brilliant person. He was the best there is. - Iggy Pop"

— Iggy Pop (@IggyPop) enero 11, 2016

In shock about @DavidBowieReal Never in a million years did I think that we'd lose such an amazing guy so young Full https://t.co/FrvXhkxbRg

— Ozzy Osbourne (@OzzyOsbourne) enero 11, 2016

I just woke up and I'm blown away by the news. This man changed my life. I'd have to write a… https://t.co/pdPqRtbLz3

— Lenny Kravitz (@LennyKravitz) enero 11, 2016

"Sweet dreams old sock".....ec

Posted by Eric Clapton on lunes, 11 de enero de 2016

David Bowie, you will be sorely missed. Bowie's “Changes” and the Ziggy story songs were a major influence for me. pic.twitter.com/N1nkD9h82W

— Gene Simmons (@genesimmons) enero 11, 2016

"One of THE GREAT moments in my life.I regret being a bit too young to fully appreciate it though.God knows what I actually said to him!!"

Posted by Noel Gallagher on lunes, 11 de enero de 2016

A few years ago David came over to my house for coffee one Saturday morning. We sat on the sofa and talked and I picked...

Posted by Moby on lunes, 11 de enero de 2016

oh no. my hero. bowie. the most beautiful. i love him with everything i am. rock music is over, done. he was the best. none came close. rip

— Flea (@flea333) enero 11, 2016

Rest in peace, David. pic.twitter.com/9Kv9yM9igh

— Foo Fighters (@foofighters) enero 11, 2016

David Bowie really, really was the best.

— Nirvana (@Nirvana) enero 11, 2016

Nada nos deja más en soledad, que la alegría si se va...Hasta siempre, David.

Posted by Fito Paez - Página oficial on lunes, 11 de enero de 2016

David Bowie, el aterrizaje de Ziggy Stardust

David Bowie (1947-2016)

Durante la década de los sesenta, David Bowie había sido mod, luego había optado por el folk psicodélico y sin embargo, en ninguno de esos géneros parecía haber trascendido como artista, fue entonces a principios de los setenta que el cantautor inglés dio vida a un extraterrestre bisexual de apariencia andrógina que se convierte en una estrella de rock.

El álbum conceptual, contaría la historia de aquel extraterrestre que, como un mesías, llegaría a la Tierra a anunciar que el fin del planeta estaba cerca, y que mediante mensajes de esperanza, amor, y paz buscará encontrar una solución, finalmente, el protagonista será corrompido por el ego, los excesos, el perturbador fanatismo de sus seguidores y la fama, Bowie pretendía hacer una crítica a ese ambiente que conocía tan bien, y al que pertenecían él y los artistas rock de la época.

Ya estaba la historia, ahora necesitaba un personaje, una extraña amalgama entre la ciencia ficción, el teatro japonés Kabuki, las enseñanzas del pop art de Andy Warhol y de sus discípulos Lou Reed e Iggy Pop y la estética de la recién estrenada obra de Stanley Kubrick: La Naranja Mecánica dieron como resultado lo que algunos consideran el primer álbum posmoderno de la historia del rock. 

La construcción del personaje incluyó referencias a Aleister Crowley, Arthur Rimbaud y Friedrih Nietzche, fusiona rock con teatralidad, temáticas de índole filosófica, dieron las características a aquel ser andrógino, sin embargo, la principal influencia de Bowie, fue el cantante y líder de la banda rock The Playboys: Vince Taylor, quien solía llevar extrañas y llamativas vestimentas de cuero al escenario, el cual vestía ropas extravagantes de cuero en escena, cadenas, medallones, y un testimonio en el que aseguraba ser el apóstol Mateo, venido de otro planeta, era un personaje excéntrico, tal como lo que buscaba Bowie, Fue cuando Bowie decidió darle un cambio radical a su imagen, se tiñó el pelo de rojo, y bajo la influencia del teatro japonés kabuki y las enseñanzas del diseñador Kansai Yamamoto, que se llevó a cabo el diseño del vestuario brillante y apretado del andrógino ser venido de otro planeta. 

Ahora necesitaba un nombre para aquel extraño ser llegado de otro planeta, Bowie tomó como referente a Norman Carl Odmon, un famoso músico country que era mejor conocido como Legendary Stardust Cowboy, por otro lado el nombre Ziggy surgió de una sastrería llamada Ziggy’s que Bowie solía ver durante largos viajes en el tren en su adolescencia. 

Pero una estrella de rock no está completa sin su propia banda de rock, es así como nacen The Spiders from Mars, conformada por Mick Ronson en guitarras, piano y coros; el bajista Trevor Bolder y Mick Woodmansey en la batería.

Claro, la estética y este nuevo concepto de artista rock que proponía Bowie, no significarían nada si no estuvieran acompañadas de buena música, el álbum, fue finalizado con 12 canciones, las cinco primeras presentan la historia de Ziggy y su intento por salvar la humanidad, las otras siete, narran el triunfo y posterior decadencia del extraterrestre, de estas sesiones y grabaciones nacen clásicos como Moonage Daydream, Rock’n'Roll Suicide, Suffragette City y su homónima: Ziggy Stardust.

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, vio la luz el 6 de junio de 1972. 

Fue así como un mes después de haber finalizado el disco, por medio de una transmisión televisiva en el programa Top of The Pops, de audiencia familar y cuyo objetivo era mostrar las novedades musicales del Reino Unido, Ziggy Stardust y su banda los Spiders from Mars interpretaron la canción Starman, primer sencillo del álbum.

Una sonrisa desafiante, una mirada curiosa, el rasgar de una guitarra electro acústica azul, un ajustado traje que combinaba rojo, azul y dorado, y su peliroja cabellera representaban la explosión del glam rock, aquella noche, los espectadores quedaron escandalizados con aquella presentación ¿Quién era aquel personaje? Los adultos se sentían ofuscados, los jóvenes descubrieron que había otro rock más allá del que Led Zeppelin y los Rolling Stones podían ofrecer, Lo cierto es que, Ziggy Stardust fue la llegada al éxito de Bowie, no solo en Inglaterra, sino en Estados Unidos y el resto del mundo.

“A mí también me atrapó Ziggy, era muy fácil estar obsesionado noche y día con el personaje. 

Me convertí en Ziggy Stardust. David Bowie se fue por la ventana. Todo el mundo quería convencerme de que yo era un Mesías” recuerda el cantante británico.

La historia cuenta que Bowie y Ziggy se fundieron de tal forma que las fronteras entre ambas personalidades comenzaron a unirse, Ziggy no se quedaba en los escenarios, Bowie también lo llevaba a los entrevistas, después de todo era su obra, una obra que fundió la realidad y la ficción.

Adios David Bowie, podemos ser héroes, solo por un día.

https://www.youtube.com/watch?v=4B5zmDz4vR4

Lemmy Kilmister, el mejor as de picas jamás jugado

"Si mi vida fuese una película debería terminar con rayos y truenos, mientras yo desaparezco en la cima de una montaña, dejando atrás una placa que dice: 'Os he engañado. De nuevo'".

Uno de los últimos estandartes del rock clásico, porque algo que siempre afirmó Lemmy era que su música no era metal, género al que muchos lo asociaban, no, lo suyo era rock n roll puro, con más aceleraciones, revoluciones y distorsión en sus instrumentos, pero con la esencia de aquellas bandas de antaño.

Si tuvieramos que asociar a las estrellas del rock con figurs públicas, probablemente Elvis sería un profeta y Jimi Hendrix o Eric Clapton un par de Jesucristos, mientras que Ian Fraser, el querido Lemmy sería Moises, portador de las tablas de los mandamientos, talladas bajo una rigurosa y fervorosa religión hacia el rock: máquinas tragamonedas, strippers, tabaco y Jack Daniel's.

Lemmy era el filósofo del rock n roll  alguien debería hacer un recopilatorio de todas sus frases a lo largo de su vida, sería una guía de supervivencia exitosa, el libro de mandamientos del rockero.

Era un auténtico hijo de puta. 

"Con todas las drogas que he tomado, es demasiado tarde para buscar a Dios".

"Las guerras son momentos interesantes. Sacan lo peor y lo mejor de la gente".

"El verano de 1973 fue fantástico. No me acuerdo de nada, pero nunca lo olvidaré".

"No soy rockero todo el día: paro para dormir".

Un viejo dinosaurio que sobrevivió al asteroide del siglo XXI, un viejo lobo de mar que vivía bajo las antiguas reglas del rock, aquel rock sucio y agreste lleno de excesos y destructivo por naturaleza, a ese grupo pertenecia Lemmy, al mismo al que alguna vez perteneció Bon Scott de AC/ DC y Sid Vicious de los Sex Pistols. 

Ian nació por allá en 1945 en Stoke-on-Trent, Inglaterra, se crió en Gales y pronto comprendió que su vida la dedicaría a hacer rock,  se vio atraído por el juego, las chicas, el rock y una especial fascinación por los caballos, a menudo, solía pedir dinero prestado para gastarlo en los casinos, a raíz de uno de esos prestamos que solía pedir con la frase Préstame una libra hasta el viernes  "lemmy [lend me] a quid 'til Friday", surgió Lemmy, el nombre con el que pasó a la historia. 

Abandonó su hogar a temprana edad y viajar a Londres y unirse a bandas de soul y rhythm & blues, pronto se vio envuelto en aquel ambiente psicodélico de la década de los 60s, acudía a conciertos de The Beatles en La Caverna, aprendió las canciones del Please Please Me en la guitarra y con el tiempo pasó a ser el telonero de Pink Floyd y Jimi Hendrix con sus primeras bandas, The Rocking Vicars y Sam Gopal.

"Hice de dealer para Jimi Hendrix. El tipo era justo. Si le llevaba 10 'tripis', me daba tres. El resto se los comía al instante".

La llegada de Lemmy a  la banda Hawkwind representó el inicio del éxito del bajista, quien aportó a la banda los mejores momentos de los que pudieron haber disfrutado, la banda era una curiosa amalgama de la pacífica actitud hippie y la dureza del heavy metal.

Sin embargo, en 1975, fue despedido de Hawkind, Lemmy enfurecido, robó los instrumentos de sus compañeros y se acostó con la mujer de su compañero Alan Powell, oh, vaya que Lemmy sabía como desquitarse, a continuación pasó cinco días en prisión por posesión de drogas 

"Cuando me echaron de Hawkwind, me volví a casa y me follé a tres de sus novias. El Señor dice que la venganza es dulce".

Fue ese momento en que decidido fundó Motorhead, un power trio fundado en la poderosa velocidad que aportaban la guitarra, el bajo y la bateria, eso además de la , para Lemmy el concepto del grupo estaba muy claro, tenía que ser "la banda más sucia de rock and roll del mundo", y que si "Motörhead se mudaba a la casa de al lado, se secaría el césped de tu jardín".

Al principio, la banda se llamaría Bastard, pero tras ceder ante la presión de su manager quien le aseguró que tal nombre complicaría su acceso a la radio y la televisión Lemmy optó por "Motörhead", una palabra que proviene la jerga para denominar a un consumidor de anfetaminas.

Ese era Lemmy,  aquel que alguna vez acudió a realizarse una transfusión de sangre y le fue informado que su sangre había dejado de ser humana hace mucho, esta era tan tóxica que mataría a una persona normal de llegar a convertirse en donante. 

Lemmy era el buen amigo del vecindario, hacía covers juntos a Ramones para luego ir a tocar bajo junto a Sid Vicious y verlo al día siguiente riendo con Dave Grohl y al rato aparecer con Iggy Pop mientras en la noche podría estar compartiendo un trago con Ozzy Osbourne y Slash.

Durante las cambiantes alineaciones de Motorhead, desde 1977 hasta la fecha, siempre se le vio armado con su bajo, oculto tras su gafas de espejo y aquel enorme y autoritario sombrero, expuso al mundo 'The Ace of Spades" y desde ese momento su voz de trueno, sumergida en las mieles del tabaco y el licor acompañó la balada del rock n roll. 

"Cuando somos pequeños, todos tenemos un sueño. El mío se hizo realidad. ¿Por qué dejarlo?".

Julio Verne, visionario fuera de su tiempo

"Fue Julio Verne quien me orientó hacia la astronáutica” – Yuri Gagarín, primer hombre en ascender al espacio

Francia, 1847, proveniente de Nantes, llegaba a París un joven de diecinueve años, dispuesto a estudiar derecho e impulsado únicamente por la voluntad de su padre, sin embargo, el verdadero deseo de este provinciano era dedicarse a la escritura, el nombre de aquel muchacho: Julio Verne.

Siguiendo su vocación, Verne no tardó en dejar de lado sus estudios, lo que provocó que su padre dejase de financiarlo, aquellos primeros años en la capital francesa, la situación de Verne era precaria, el hambre y la miseria era constantes y el poco dinero que conseguía lo invertía en comprar libros y en asistir a tertulias literarias, sediento de conocimiento, pasaba su tiempo en las bibliotecas de Paris aprendiendo de diferentes ciencias: química, botánica, geografía, física, astronomía, geología, oceanografía, matemática, mecánica y balística, además de ingresar al Círculo de Prensa Científica donde mantiene conversaciones con exploradores, periodistas y científicos, estas vivencias serían pieza clave para las novelas que escribiría más adelante.

Su verdadera pasión era influenciada por los relatos de su profesora de la infancia quien gustaba de contar a sus alumnos la historia de su esposo, un marino que había zarpado de Nantes, treinta años atrás y al que ella imaginaba viviendo peligrosas aventuras en lugares remotos que le impedían su regreso.

Así que a medida que Verne comienza a formarse, la Revolución Industrial se impone en Europa, una nueva época desarrollo que lleva al escritor a concebir la idea de unificar la ciencia y la literatura, y a pesar de finalizar su carrera de derecho, nunca llega a ejercerla, contrario a eso se encierra en su despacho a escribir obras, comedias teatrales y los bocetos de sus primeras novelas, insomnio, dolores de cabeza y una parálisis facial que deformó su rostro son las consecuencias del trabajo acumulado.

Para 1863 y apadrinado por el editor Pierre-Jules Hetzel, publica la primera de sus obras que haría parte de sus Viajes Extraordinario:Cinco Semanas en Globo, novela que capta la atención del público y que además logra sacarlo de la miseria a la que ya se había acostumbrado, es así como entre sus páginas, comienzan a esconderse datos científicos fusionados con elementos fantásticos, descripciones de inventos e innovaciones tecnológicas, Viaje al Centro de la tierra, su siguiente obra, sería prueba de este avance, donde contaría con el apoyo de vulcanólogos, geólogos y naturalistas.

Consagrado, en 1865, comienza a trabajar en el Journal des débats, periódico en el que semanalmente publica su nueva obra: Viaje a la Luna, esta entrega por partes incrementa la ansiedad y el interés de sus lectores por el progreso de la humanidad.

Tal como viajar al espacio, descender a las profundas y misteriosas profundidades del océano, era un viejo sueño de la humanidad, es así como Verne concibe Veinte mil leguas de viaje Submarino, y con este la anticipada idea del Nautilus, un submarino, invento que solo vería la luz hasta la década de los cincuenta.

Es así como la aventura se convierte en una temática recurrente en sus obras, los viajes como razón principal de las novelas, rodeados a su vez de contextos políticos, bélicos, científicos o personales,La Vuelta al mundo en ochenta días, La Isla Misteriosa y Un Capitán de quince años, invitan a sus lectores a soñar con lugares lejanos e imposibles

Julio Verne comienza a dibujar con antelación el mundo moderno, era conocedor de los avances que ya en aquella época se desarrollaban, era un ávido lector de publicaciones científicas, lo que le permitía estar al corriente de las teorías y primeros intentos de máquinas surgidas años más tarde, el submarino, el helicóptero, el dirigible, las naves espaciales e incluso una primitiva forma de Internet son algunos de sus aportes.

Tony Iommi, el verdadero hombre de hierro

Birgminham, es considerada la segunda ciudad más importante de Inglaterra, para el pueblo inglés, la ciudad representa la locomotora de la Revolución Industrial del Reino Unido, llegando a ser conocida como "La fábrica del mundo" o la "Ciudad de los mil negocios”, un centro de fabricación, metalurgia e ingeniería que sería el hogar de Anthony Frank "Tony" Iommi, guitarrista de la agrupación Black Sabbath.

Desde los diez años, Iommi aprendió judo, karate y boxeo, todo con el fin de protegerse de las bandas locales que se congregaban en su vecindario y que probablemente le harían matoneo si se encontraran con él, era tan bueno como boxeador que ya se imaginaba en un futuro como un luchador peleando cada noche en los diferentes clubes, evadiendo así el hecho de trabajar en una aburrida fábrica.

Además del boxeo, a Iommi le gustaba la música, inicialmente atraído por la batería, finalmente fue la guitarra la que lo sedujo, la cual aprendió a tocar como zurdo, dejando de lado su faceta de luchador y enfocándose más en la música, el joven Iommi se graduo y comenzó a trabajar como plomero para luego unirse a una fabríca de anillo, de hecho, antes había trabajado en una tieneda de música, pero renunció después de haber sido falsamente acusado de robo. 

La vida está llena de ironías, a la edad de diecisiete años, Tony había terminado trabajando en una fábrica metalúrgica, donde se encargaba de pasar planchas metálicas al encargado de la perfiladora de metales, un día, su compañero no asistió a la fábrica, e Iommi tuvo que hacer ambas labores a la vez, tenía ante él una enorme máquina, nunca había desempeñado esa labor, y en medio de un descuido, una de las máquinas rebanó la primera falange de los dedos corazón y anular de su mano derecha, adolorido y con sus manos cubiertas de sangre, el guitarrista recuperó los trozos de sus dedos y se dirigió al hospital donde no pudieron hacer nada, sus dedos simplemente estaban incompletos, lo más irónico es que ese sería su último día de trabajo en aquella fábrica metalúrgica.

Destruido, Iommi era consciente de que sus heridas no le permitirían seguir tocando música, estaba considerando seriamente abandonar la guitarra. Durante aquellos días, uno de sus compañeros de la fábrica le mostró una grabación de Django Reinhardt, un famoso guitarrista de Jazz. 

“Escucha a este sujeto” le decía su compañero, Iommi se negaba rotundamente, escuchar a alguien tocar guitarra era lo que menos quería en ese momento de frustración, su amigo insistió tanto que finalmente Tony accedió y juntos escucharon la grabación.

Iommi reconocía que el guitarrista era bastante bueno, su amigo lo miro y le dijo “Sabes, este sujeto toca únicamente con dos dedos en su diapasón, perdió el resto de su mano durante un incendio en un campamento gitano”

Sorprendido por tal revelación, la inspiración regresó a Iommi decidió no darse por vencido, inspirado por la superación de Reinhardt, decidió volver a tocar guitarra, probablemente la solución más práctica hubiera sido girar su guitarra y aprender a tocar como diestro, pero Iommi reconoció que ya tenía una forma de tocar, no tendría la paciencia para aprender a tocar de nuevo con su otra mano, simplemente era imposible. 

Ante tal negativa, Iommi era firme ante su decisión de tocar como zurdo y trabajar con lo que tenía, el proceso fue doloroso, decidió hacerse unas puntas de dedo con botellas de plástico derretidas, las prótesis protegerían sus dedos además de darle un poco más de longitud, sin embargo esto no sería tan sencillo, dos problemáticas surgieron a raíz de sus prótesis plásticas, la primera, el plástico no le dejaba sentir las cuerdas, las cuales presionaba con demasiada fuerza, la segunda le era muy difícil flexionar las cuerdas.

Esto, lo llevo a buscar unas cuerdas más ligeras, sin embargo en esa época, aquellas cuerdas no existían, la única solución fue usar cuerdas de banjo, las cuales siguió usando hasta 1970 cuando Cuerdas Picato decidió comenzar a crear cuerdas de calibre ligero, le preocupaban más las notas sencillas, incluso más que los solos, era difícil, incluso tenía que usar con mayor frecuencia su dedo meñique, con el paso del tiempo, comenzó a afinar sus cuerdas de guitarra a los tonos más bajos , a veces hasta tres semitonos por debajo de afinación de guitarra estándar, tan solo escuchar Children of the Grave puede dar evidencia de esto, un nuevo sonido había nacido, más grande, más pesado, más cercano al Heavy Metal.

“ Por supuesto que perder la punta de mis dedos fue devastador, pero en retrospectiva, esto resultó la creación de algo más, me hizo inventar un nuevo sonido y un estilo diferente de tocar, otra clase de música, realmente algo bueno nació de una algo malo " afirma el guitarrista de Black Sabbath. 

El resto es historia, para 1967, Iommi formó el grupo Earth, se reunió con Ozzy Osbourne, Geeze Buttler y Bill Ward, pasaron a la historia con el nombre de Black Sabbath, pasó de ser un hombre con una incapacidad a convertirse en el padre del Heavy Metal y en uno de los mejores guitarristas de la historia.

La balada de John y Yoko

“Bueno, adivinen quien escribió eso, la escribí en París en nuestra luna de miel, es una pieza de periodismo, una canción folk, es por eso que la llamé la Balada de…"

El 20 de Marzo de 1969, vestidos de blanco y con zapatos deportivos, John Lennon y Yoko Ono celebraban su boda en el territorio británico de ultramar de Gibraltar, en principio, la idea de ambos había sido casarse en París, pero la burocracia exigía que la pareja hubiese vivido al menos dos semanas en la ciudad luz, así que en un viaje relámpago, en un jet privado arribaron a a la Isla de Gibraltar donde oficiaron una ceremonia privada que tuvo lugar en el consulado británico, y que duró únicamente una hora, para luego regresar a Francia. 

Luego de su estancia en Paris, John y Yoko viajan a Amsterdam, Países Bajos donde pasan su luna de miel en la suite presidencial del Hotel Hilton, allí, la pareja celebra una de sus encamadas por la paz, en contra de la guerra de Vietnam, durante una semana entre marzo 25 y 31, invitan a la prensa y permanecen sentados en su cama, hasta que siete días más tarde viajan a Viena, Austria donde celebran una conferencia de prensa.

El 14 de Abril de 1969, John Lennon llegó a la casa de Londres de Paul McCartney para trabajar en una canción que aún estaba por finalizar.

- Tengo esta canción acerca de nuestra boda y se llama The Ballad of John y Yoko o They're Gonna Crucify Me – 

- Estás bromeando ¿No es así? Alguien realmente va a molestarse sobre esto – Le respondió McCartney 

- Sí, pero vamos a hacerlo, dijo Lennon decidido.

McCartney estaba algo preocupado, debido a la letra de la canción, después de las declaraciones de Lennon en 1966 en las que aseguró que “The Beatles eran más populares que Jesús, y que ahora no sabía que iba primero, si el Rock 'n' roll o el Cristianismo” la carrera de la banda se había visto afectada en varios países, especialmente en el sureste de Asia y en Suramérica, ahora, en la nueva propuesta de Lennon, el coro de The Ballad Of John And Yoko tenía el siguiente verso: "Christ, you know it ain't easy, you know how hard it can be. The way things are going, they're gonna crucify me." Incluir las palabras Jesucristo y crucifixión en la misma canción podría abrir viejas heridas que habían tratado de mantener apaciguadas, la letra y el contexto de esta nueva canción no serían muy bien recibidas, pero por otro lado, John había pasado por cosas terribles durante los últimos meses, así que terminó accediendo a colaborar en la canción de su amigo, después de completarla y arreglarla en la casa de McCartney, el dúo se dirigió inmediatamente a los estudios de Abbey Road dispuestos a hacer la grabación.

Vamos al estudio, solo tú y yo – 

Está bien, yo tocaré el bajo y la batería – 

“John tocaría la guitarra, así que lo hicimos y esperamos para ver si los demás chicos nos odiarían por eso, de eso no estoy seguro, probablemente nunca nos perdonaron, John estaba tan impaciente que simplemente decidimos ir al estudio y grabarla” recuerda Paul McCartney.

¿Dónde estaban George Harrison y Ringo Starr? La razón por la cual, Lennon y Mccartney decidieron grabar la canción juntos era simple, George Harrison se encontraba de vacaciones mientras que Ringo rodaba la película The Magic Christian, impaciente, Lennon no podía esperar a los demás, excluidos Ringo y George se molestarían al enterarse de que no participaron en la canción, de todas formas en otras ocasiones ya habían grabado sin que algún beatle estuviera presente, Dear Prudence y Back in The U.S.S.R fueron hechas sin Ringo y Why Why don't we do it in the road fue hecha solo por Ringo y Paul, a pesar de eso, en las grabaciones del estudio se pueden escuchar conversaciones entre los dos músicos presentes al momento de grabar.

“Un poco más rápido, Ringo” dice Lennon en su guitarra, "OK, George" le responde McCartney sentado frente a la batería. 

A pesar de que dos miembros de la banda se encontraban ausentes, The Ballad of John And Yoko, fue una vez más, producida por George Martin, de igual forma Geoff Emerick, el ingeniero de sonido regresó a trabajar con la banda, Emerick no había vuelto a trabajar con The Beatles desde las sesiones del White Album, George Martin recuerda aquel día: “Disfruté trabajar con John y Yoko en The Ballad Of John And Yoko. Solo eran ellos dos y Paul, cuando piensas acerca de ello, en cierta forma este era el inicio de su propio camino, y de su propia forma de grabar, difícilmente era una canción Beatle, en cierta forma era el fin de una era, mentalmente John ya había dejado el grupo de todas formas y creo que ese fue el principio de todo eso”.

Grabaron once tomas de la pista con el ritmo básico, simultáneamente se agregó la batería, la guitarra acústica y las voces, la toma diez fue la que quedó mejor, fue cuando McCartney agregó el bajo, el piano, los coros y las maracas, mientras que Lennon sobreponía las dos guitaras líder y los sonidos de percusión hechos al golpear la parte trasera de una guitarra acústica.

La canción fue grabada en el estudio 3 de Abbey Road, comenzaron a las 2:30 de la tarde y terminaron a las 9:00 de la noche, luego la cinta fue mezclada para stereo y finalizada lista para salir a las 11:00 de la noche, esta era una delas ventajas de trabajar en EMI, The Beatles eran capaces de trabajar a su propio ritmo, podían reservar los estudios durante semanas, dándose el lujo de experimentar, trabajar sin prisa y grabar en cortos lapsos de tiempo si querían. 

Para Lennon tanto el día de su boda como la canción, representaban un hermoso soñar despierto una fusión de Johnny B Good con Paperback Writer, pero tal como había augurado Paul McCartney, la canción fue censurada por numerosas estaciones del Reino Unido y los Estados Unidos por pronunciar la palabra “Cristo”.

Esta canción es quizá una de las pruebas de la infeliz situación por la que pasaba la banda en aquel momento, John Lennon estaba insatisfecho, durante los últimos años eran las canciones de McCartney las que aparecían en la cara A del sencillo, mientras que sus composiciones aparecían en la cara B, además, las sesiones de Let It Be habían sido realmente tristes, la unidad de The Beatles se estaba perdiendo, pero The Ballad Of John And Yoko significó que Lennon y McCartney trabajaran juntos de nuevo, con aquella vieja complicidad, mostrando un renovado entusiasmo, esta sesión fue un reflejo del positivismo que rodeaba las grabaciones de lo que sería su último álbum: Abbey Road.

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Venas de blues, B.B King

"¿El mejor método para viajar? La música." – B.B King

Poco a poco una corte musical comienza a apoderarse del firmamento, el primero en marcharse fue el rey del rock n roll Elvis Presley en 1977, le seguirían James Brown el rey del funk en 2006, Michael Jackson, el rey del pop en 2009 y a esta larga lista de monarcas, se une hoy el rey del blues, el legendario B.B King.

B. B. nació el 16 de septiembre de 1925, en Mississippi, estado conocido por su larga historia de injusticias sociales, una larga trayectoria de trabajo esclavo en los campos de algodón y además ser la cuna de grandes figuras del blues, Riley B King nació precisamente en una pequeña cabaña de una plantación de algodón en Itta Bena, a pesar de eso, siempre considero su lugar de origen Indianola, tras el divorcio de sus padres, Albert King y Nora Ella Farr, y la difícil situación económica de su madre, quien murió cuando él tenía nueve años, B.B pasó a compartir mucho tiempo junto a su abuela materna Elnora Farr en el pueblo aledaño de Kilmichael.

El pequeño King creció cantando en un coro de góspel en una iglesia baptista, a los doce años compraba su primera guitarra por quince dólares, otros dicen que fue un regalo de su primo y también leyenda del blues, Bukka White, lo único seguro es que desde el principio, King fue poseedor de un talento natural y gran disciplina a la hora de tocar su instrumento, su estilo en la guitarra fue influenciado por dos músicos, T-Bone Walker y Charlie Christian, y su forma de cantar por Joe Turner.

En 1943 con dieciocho años, abandona el pueblo de Kilmichael para trabajar como conductor de tractores, sin dejar de lado sus labores de guitarrista, tocando en iglesias del sector y en la estación de radio WGR y tres años más tarde, King decide seguir los pasos de Bukka White y parte a Memphis, Tennessee, pasó diez meses en aquel lugar, para regresar a Mississippi, donde se preparó mejor para volve a Memphis, allí tocó en el programa de radio KWEM conducido por el también músico Sonny Boy Williamson II, a raíz de ese programa, un sector de los radioescuchas comenzó a interesarse en la música de Riley.

Tras ser contratado en WDIA para que cantase clásicos del jazz, grabara jingles y ejerciera como disc jockey, comenzó a adquirir cierta reputación, a la vez, asistía semanalmente a las audiciones del Teatro Palace en la calle del blues de Memphis, hogar por cierto del rey del Rock N Roll, Elvis Presley a quién conocería en una de aquellas ocasiones. Las audiciones en el Teatro Palace daban al ganador un premio de cinco dólares, a pesar de que nunca ganó, si obtuvo popularidad además de su apodo: Blues Boy, el cual luego abrevió a B.B, tal como todos lo conocemos hoy. 

Pero quizá el evento que cambiaría su vida, sería durante el invierno de 1949, mientras tocaba en un salón de baile en Arkansas, hacía tanto frío que para calentar el salón, fue encendido un barril medio lleno con queroseno, mientras B.B armonizaba el ambiente, dos hombres comenzaron a discutir, de pronto los dos hombres comenzaron a golpear, hasta que el barril de queroseno se volcó, el combustible cayó al suelo y la estancia comenzó a arder, la gente comenzó a evacuar el lugar, al salir, B.B se dio cuenta que había dejado su guitarra dentro del edificio en llamas, armado de valor, ingresó nuevamente, abriéndose paso entre el sofocante humo, rescato su guitarra, una Gibson acústica y salió del lugar. Dos personas murieron en aquel incendio, al día siguiente el músico se enteró que los dos hombres que habían originado el incendio, peleaban por una mujer llamada Lucille, en honor a aquel suceso, King bautizó a su guitarra con aquel nombre.

Con el paso de la década de los años cincuenta, B.B se convirtió en uno de los nombres más importantes del R&B y del Blues, lo curioso es que a pesar de estar enfocado en estos, King estaba rodeado de arreglistas de músicos de jazz para sus grabaciones en directo, derribando en cierta forma las fronteras que existían entre géneros y alejándose de la tradición que seguían otros contemporáneos suyos como Muddy Waters y Howlin Wolf, King era difícil de encasillar, muy a pesar de eso, King labraba su camino para convertirse en el rey del Blues. 

Es durante esta década que cosecha muchos de sus grandes clásicos, 3 O'Clock Blues, You Know I Love You de 1951 y 1952, entre otros como Woke Up This Morning, Ten Long Years, Every Day I Have The Blues y una de sus joyas: Sweet Little Angel, de 1956, son características de esta etapa, con la fama, vienen las giras, y en este campo, B.B King es uno de los músicos que más se destaca, durante toda su vida sumó más de 10.000 conciertos, con lo que logró de paso ganar mucho afecto y simpatía de su público. 

Con la década de los sesenta, sus giras no solo llegaron a los Estados Unidos, sino que también logró proyectarse a Europa, en 1960 llega a la cima con Sweet Sixteenm e1968 lanza su canción Lucille y en 1969, The Thrill is Gone quizás sus canción más conocidas, además en esa década que empieza a interactuar con los nacientes músicos del rock, aparece en la apertura del Tour por América de 1969 de los Rolling Stones y sus encuentros con en el Club Generation de Nueva York con Jimi Hendrix. 

Aquí es donde se puede comprender la grandeza de B.B King, un amante de la música de Frank Sinatra, un contemporáneo de otros grandes de su época como Muddy Waters, John Lee Hooker o Buddy Guy juntos a los que tocó en varias ocasiones, un maestro para otros como The Beatles, los Stones, Stevie Ray Vaughnan, U2 y su gran amigo y aprendiz, Eric Clapton, una persona que creía que la música era la única forma de otorgar conocimiento.

King consideraba que los blues debían trascender, tenían una historia de fondo, que debía ser contada, no gustaba de tocar y cantar al tiempo, prefería mantener un diálogo entre él y Lucille, la cual vibraba, expresando más que palabras, una tristeza propia del blues fusionada con el carisma y la calidad de su voz, a la que su guitarra respondía en cierta forma, "Intento conectar mi voz a mi guitarra al cantar”, afirmó el músico en una entrevista. “Como si los dos se hablaran el uno al otro", agregó.

B.B era diferente, el blues fluía por sus arterias, lo transpiraba, lo respiraba, para él, el blues no era un simple concepto, lo sentía, lo vivía, quizá él no era consciente de eso, porque para él, fue un estilo de vida. 

Ramones

¿Saben? Hubo una época en la que yo quise llevar este blog cronológicamente hablando, banda por banda, artista por artista, el tiempo ha pasado y no he pasado de la década de los 60s, y lo peor es que me faltan aún muchas entregas de artistas anteriores incluso a los mismos pioneros del rock, mi perspectiva en cuanto a ese tema ha cambiado radicalmente, ahora creo que si hoy quiero escribir acerca de bandas como The Cure o Radiohead, no debo esperar a escribir acerca de ellos, si bien es cierto que para hablar de determinado grupo o artista, primero es necesario hablar quizá de quienes lo inspiraron o resultaron una influencia en su formación, tampoco puedo dejar que la vida pase para escribir de algo que me nace escribir en este momento y no en otro.

Así que hoy, daré un salto en el tiempo, atrás quedará la década de los 60s, la guerra de Vietnam, la psicodelia y el flower power, hoy nos encontramos ante una nueva generación, una generación escéptica, que se burló  de la rigidez y de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural.

Un nuevo ritmo se apoderaba de las juventudes, un sonido crudo (sin necesidad de ser aún distorsionado o ruidoso), ritmos acelerados y  acordes simples se gestaban en las mentes de cuatro muchachos de Forest Hills, un barrio de la clase media de Queens, Nueva York, en esta ocasión y en parte, como homenaje al fallecido Tommy Ramone. el último de los Ramones originales que murió hace poco, hablaremos de una d elas bandas pioneras del punk y líder de la primera ola punk de mediados de los 70s: Ramones.

Lo fabuloso de una banda como Ramones es que a pesar de su simplicidad en cuanto a líricas y composición musical, logra despertar energía en tu interior, a pesar de lo sin sentido que puedan ser las letras de sus canciones, y de lo cortas que sean, creo que un concierto de Ramones debió ser, una de las cosas más increibles del mundo musical, imaginen esa energía tanto arriba como abajo del escenario. Lemmy Kilmister, bajista y lider de Motorhead recuerda con cariño como podías asistir a un concierto de Ramones en tan sólo media hora y haber escuchado al menos 19 canciones. 

Jeffrey Ross Hyman, más conocido en el mundo del rock como Joey Ramone, no era más que un muchacho desempleado, que había crecido escuchando The Who y The Stooges y que además de sufrir de una miopía avanzada tenía un trastorno obsesivo compulsivo. Un chico reservado y tímido, que a pesar de su personalidad no podía evitar llamar la atención debido a sus 1,98 cms de estatura, su pelo largo y su extraña apariencia, en pocas palabras, Joey era un bicho raro que pasaba su tiempo coleccionando discos y tocando la bateria, contrario a lo que sus padres deseaban, su madre le instaba a interesarse en el arte y su padre a que continuara en el negocio familiar de conducción de camiones.

Irónicamente era en la galeria de arte de la madre de Joey, donde este y sus amigos se drogaban e inhalaban pegamento, a decir verdad, los amigos de Joey eran igual de extraños que él, era un grupo bastante particular: John Cummings, más conocido como Johnny Ramone había sido un delincuente durante su adolescencia, Douglas Colvin alias Dee Dee Ramone era un muchacho que había pasado casi toda su vida en Alemania y que había huido a Queens buscando alejarse de su padre alcohólico, finalmente Tamás Erdélyi el recientemente fallecido Tommy Ramone era quizá el que más conocimiento tenía acerca de música, debido a que ya había militado en otra banda junto a John llamada Tangerine Puppets, sin embargo Tommy sugirió una nueva alineación, Joey sería el baterista, Johnny el guitarrista lider, Douglas el guitarrista rítmico y cantante, y Tommy quien se limitaría a ser el representante de sus amigos.

Su primera presentación fue ante 30 personas, durante el año de 1974, un concierto que resultó ser un desastre debido a la incapacidad de Dee Dee de tocar al mismo tiempo que cantar, (razón por la cual los roles se intercambiarían más adelante, Joey quien demostró tener más actitud como frontman, pasó a ser el cantante, Dee Dee pasaría al bajo que había sido abandonado por un miembro pasajero y Tommy ingreso a la banda como baterista). Para aquella época, ya eran conocidos como Ramones, un nombre inventado por Dee Dee, desde ese entonces, todos los miembros llevarían el apellido Ramone, el mismo apellido que utilizó Paul Mccartney durante el periodo Silver Beetles.

Su debut oficial como Ramones fue en un local llamado CBGB, un club  emblemático ubicado en la ciudad de Nueva York, EEUU. , considerado la cuna del punk, y que actualmente, tras su decadencia fue cerrado, sin embargo, en aquella época CBGB era un lugar en el que tocaban todas aquellas promesas musicales de mediados de los 70, Ramones tocaban una vez por semana allí que tras ser avistados allí, llamaron la atención de Sire Records, compañia discográfica que firmó con la banda un contrato de cinco años, así que para inicios de 1976, la banda se encontraba grabando su primer álbum homónimo: Ramones,  con un presupuesto bastante bajo en contraste con otras bandas de la época, personalmente uno de mis álbumes favoritos por lo original de sus letras ( Blitzkireg Bop, Bet on the Brat, Havanna Affair, 53rd & 3rd  por nombrar algunas) sin embargo, tras el lanzamiento y un concierto gestado por un empresario inglés en Roundhouse, Londres, la banda logró despegar, además de marcar un camino para las bandas punk británicas que también comenzaban a surgir como The Clash y Sex Pistols.



El logo de la banda fue creado por el artista Arturo Vega, un amigo de Joey y Dee Dee, el cual veía al grupo como la última banda americana, y pensó "El gran sello del presidente de los Estados Unidos sería perfecto para los Ramones, con el águila sosteniendo las flechas, para simbolizar la fuerza y la agresividad que se usa contra cualquiera que se atreva a atacarnos, y una rama de olivo, que se ofrece a aquellos que quieren ser amigos". Obviamente incluyeron algunos cambios, en lugar de la rama de olivo, había una rama de manzano, ya que los Ramones eran tan estadounidenses como el pastel de manzana. Y como Johnny era un fanático del béisbol, pusieron al águila con un bate en lugar de las flechas. En el rollo del pico del águila originalmente decia "Look Out/Below" sin embargo, fue cambiado por "Hey ho! Let's go!" por los gritos de apertura de Blitzkireg Bop, finalemente, en el sello presidencial Vega puso en su lugar los nombres de los cuatro miembros de la banda.


En el año de 1977 un poco después del éxito obtenido en el concierto, la banda ya había lanzado un segundo álbum: Leave Home, el cual cuenta con canciones que ya habían sido creadas, incluso para la época del primer álbum, las canciones eran puestas en orden cronológico, explicaría más tarde Johnny Ramone quien quería evidenciar el progreso de la banda,  cuenta con canciones como Pinhead, Commando o  I Remember You, aquel mismo año lanzan Rocket to Russia, uno de los álbumes más populares de la banda, además de contar con más presupuesto que sus anteriores trabajos,        Rockaway Beach, Sheena is a Punk Rocker, y el cover de Surfin Bird destacan de este álbum, tras continuar el trabajo musical y las giras, Tommy Ramone decide abandonar el grupo en 1979, cansado del movimiento que conlleva ser una estrella de música, decide convertirse en productor, en su reemplazo entraría, Mark Bell, apodado Marky Ramone.

El cuarteto neoyorquino lanza Road to Ruin su cuarto álbum en 1978, el cual es mucho más maduro, incluye baladas e incluso un solo de guitarra de Johnny Tommy Ramone, continuo vinculado con la banda, ya no desde la bateria, sino decidido a producir el álbum,que,  a pesar de ser desfavorable en ventas, tiene canciones como I Wanna Be Sedated y She s the one. Incursionando ya no solo en el mundo de la música, sino en el cine, The Ramones aparecen en el musical Rock N Roll High School en el que además de actuar, incluyen varias de sus canciones, otro involucrado en la película, el reconocido productor musical Phil Spector se interesó bastante por la banda, por lo cual decidió producir sus siguiente álbum: End of the Century de 1980, álbum que fue el más popular de la banda, irónicamente mucho más alejado de su sonido punk y acelerado que les caracterizo desde sus inicios,  la grabación del ábum fue bastante difícil, todos los miembros se mostraban reacios frente a la manera de hacer las cosas del aclamado productor, sin embargo Joey estaba a gusto y fue el único que realmente se quedó a terminar el álbum, Spector había sido una gran inspiración para él en su juventud.

Es para la década de los 80 cuando los problemas en la banda comienzan a surgir, los primeros problemas con la droga y el alcohol, en especial entre Joey y Johnny.
Joey era una persona de izquierda que buscaba otros caminos musicales para la banda más allá del punk,  mientras que Johnny era un conservador  que buscaba mantener al grupo unido a las raíces de sus primeros trabajos, la amistad que quedaba entre ellos llegó a su fin cuando Johnny se quedó con la novia de Joey, llegando incluso a casarse, todo este hecho está implícito en la canción The KKK took my baby away, (bastante buena por cierto). Además de las continuas discuciones entre ambos, Marky Ramone fue despedido debido a sus problemas de alcoholismo, ingresaría Richie Ramone, un nuevo baterista, incluso los problemas creativos y musicales eran evidentes en la banda, tras una serie de albumes cada vez menos llamativos, y de un desfile de bateristas que iban y venían, incluyendo el regreso de un renovado Marky Ramone, finalmente en 1989, Dee Dee Ramone, bajista de la banda decidió dejar la banda y lanzarse a una infructusa carrera como rapero FAIL, a pesar de eso continuo componiendo para la banda, la cual se dedicó a giras en varios países del mundo y a lanzar álbumes recopilatorios, Loco Live, muy parecido a uno de sus trabajos en vivo anteriores: Its Alive.

La banda se disolvió finalmente en 1996, después de esto, cada uno continuo con sus carreras en solitario,Adios amigos! y We re Outta Here serían los últimos álbumes en estudio y concierto respectivamente, fueron vistos  juntos por última vez en 1999, después de este momento solo quedaba esperar, el primero en morir fue Joey, quien al parecer ya sufría desde la década de los 90 de un linfoma, es decir una serie de enfermedades malignas en la sangre y la médula osea, su sueño, fue ver a The Ramones en el hall de la fama del rock n roll, el cual se cumpliría hasta 2002, año en que el cantante de la mítica banda ya había muerto, aquel mismo año Dee Dee sería encontrado muerto en su mansión, el bajista que había incursionado recientemente en el mundo del rap, y que poco despues regresó a la escena punk junto a otros grupos y otros proyectos, murió de una sobredosis de heroina.

Tras la muerte de su compañero Joey, con el que siempre había mantenido una relación distante, Johnny Ramone se mantuvo en un estado depresivo, al no haber arreglado las cosas con su ex compañero, finalemente en el 2004, tras luchar contra un cáncer de próstata, aquel que ocupó la posición 16 entre los mejores 100 guitarristas de todos los tiempos según la revista Rolling Stones, el legendario Johnny Ramone moriría.

Pasarían diez años para que el último de los Ramones originales muriera, Tommy Ramone fallecería a la edad de 62 años tras padecer de cáncer en las vías biliares, una noticia que conmocionó al mundo de la música, pues con la muerte del baterista original de los Ramones se cierra el ciclo de aquella primera ola punk que se apoderó de los EEUU, que demostró que no era necesario vestir de manera llamativa para tocar música rock, y que cuatro simples muchachos de pelo largo, jeans gastados y chaquetas de cuero fueron capaces de marcar la pauta para otras agrupaciones por venir, en palabras del mismo Tommy Ramone:"estábamos influidos por los cómics, el trabajo de Andy Warhol y el cine vanguardista".